LA CARAVIÑETA

La Última Visita de Rotebor.

2011-04-02T00:22:00.000+02:00

Hoy me enterado de la muerte de un buen amigo.
Rotebor nos ha dejado y a su vez, dejado un hueco en la blogsfera que será imposible de llenar.
Sirva esta entrada como un sentido homenaje a un gran divulgador, un buen amigo y, sobretodo, una maravillosa persona.

Un abrazo transatlántico, amigo Rotebor.... allá donde te encuentres.

http://caripelafantasma.blogspot.com/
http://chiquirritipis.blogspot.com/
http://terrafinis.blogspot.com/

Epílogo: La Nueva Visita de Toni.

2010-05-26T00:20:00.006+02:00

Ya dije en su momento que esta casa estaba siempre abierta a los amigos que quisieran entrar. Pues bien, esta vez ha sido el amigo Toni quien me ha pedido las llaves para dar una fiestecita en honor al comic y a Blueberry en particular, al cine y al Western en particular. Evidentemente estáis todos invitados. Pasar y tomaros algo.

Lo digo públicamente: en este artículo mi osadía supera todos los limites, pero al ser la serie tan longeva y extensa y ante la imposibilidad de volver a releerlos por los motivos de siempre, voy a atreverme a hacer una reseña a vuelo de pájaro y ciertamente novedosa. Como todo acto osado va acompañado de cierta valentía e inconsciencia, espero que sepan perdonármelo y aprecien el gesto y si les vale para decidiros de una vez con ella, y no se arrepentirán ( y ¡ojo! que esto lo digo con una certeza fuera de lo común), esta laudatoria habrá valido la pena y sé que Jean Giraud, esté donde esté, me guiñara el ojo y Jean Michel Charlier se removerá en la tumba de cierto orgullo post mortem.

Como en toda obra matriz y referencial, los aspectos en los que se puede incidir son múltiples. Yo voy a hablaros de El Teniente Blueberry centrándome más en su relación con el cine, pero estén tranquilos pues no hablare de ese engendro de película basurilla llamada del mismo nombre que el comic sino su relación con el cine del oeste, con el western, empezando con que los rasgos de Mike S. Blueberry nos recuerdan poderosamente al actor francés Jean Paúl Belmondo.

Dejando adrede de lado todas las vicisitudes que fueron conformando a lo largo de los años esta obra maestra, solo apostillar dos datos con fecha inclusive: se inicio allá por 1963 cuando Charlier buscaba un dibujante para una serie del oeste y la otra fecha es 1989, cuando Charlier falleció quedándose Giraud como autor completo de la saga.

Antes de entrar en materia propiamente dicho, y empezar a desgranar los ciclos, es de ley mencionar los estados de gracia y la calidad que derrocharon sus dos autores en esta obra, ya que no solo vemos crecer a uno de los grandes artistas visuales y narrativos del siglo XX sino que se nos descubre a un guionista de la vieja escuela pero con una fuerza arrebatadora y una modernidad en las tramas y argumentos, aparte de unas caracterizaciones de personajes hondas y geniales, que le hizo ser un adelantado a su tiempo. Su ya lejana muerte sumada a las pocas publicaciones que hay en nuestro país, hace de él un desconocido pero Charlier es un grande. Yo personalmente veo su influencia en el comic y en el cine posterior y en las series de hoy en día que aunan intriga, misterio y aventura. Cuando lean al Teniente sabrán a que me refiero.

Sobre todo, y es el gran menester de esta reseña, quiero que vean como El teniente Blueberry nació y creció al calor del cine americano, del Western sobre todo, y fue adoptando y pasando por las etapas y corrientes que este tuvo.

La saga empieza con Fort navajo, dando comienzo al ciclo de Cochise y los indios apaches (1965-1969), que consta de cinco cómics, donde vemos representado toda la zona de USA y México con el río Grande de por medio con una veracidad y un conocimiento asombroso. En este primerizo ciclo, donde el joven Giraud muestra un clasicismo tradicional y en cierta manera arcaica para lo que vendrá después, aunque ya se le nota muy buenas maneras para la narración, vemos homenajear desde el Mayor Dundee de Pechimpah, Flecha rota de Delmer Daves, el Apache de Aldrich o Los que no perdonan de John Houston.

Flecha Rota. Delmer Daves (1950)

Después vino el único tomo autoconclusivo de la serie, El hombre de la estrella de plata (1969), tomo donde empieza y acaba de manera perfecta la historia que es todo un homenaje al cine del Oeste. Aquí vemos reminiscencias de Solo ante el peligro de Fred Zinnemann, El hombre que mato a Liberty Valance del maestro Ford y sobre todo, Río Bravo de Howard Hanks con un Blueberry en el papel de John Wayne.

Rio Bravo. Howard Hanks (1959)

Siguiendo el orden cronológico llegaría el ciclo de los Sioux (1970-1971) con El caballo de hierro y tres títulos más. En este caso, y partiendo de hechos históricos como la construcción del ferrocarril por dos compañías en una competición feroz, una por el este, otra por el oeste y de la masacre de indios sioux y su posterior respuesta en Little Big Horn, además de trasladarnos hacia el norte, hacia las grandes llanuras y las montañas rocosas, asistimos de manera sublime y personal a la visión de lo allí acaecido por los autores. Aquí ya comprobamos las concomitancias con el cine en la portada de el 2º titulo del ciclo: El hombre de el puño de hierro copiado directamente de la película The desperados de Henry Levin, con un Jetho Steelfingers parecido al villano de dicho filme, el gran Jack Palance.

Las películas que inspiran este ciclo van desde, Murieron con las botas puestas de Raoul Walsh, Union Pacific de Cecil B. DeMille (las viñetas panorámicas con muchas personas es un homenaje de Giraud a dicho director) o Soldado azul de Ralph Nelson, rodada en esa época, y donde ya se ve una denuncia a la matanza indiscriminada de indios.

Murieron con las Botas Puestas. Raoul Walsh (1941)

Hacer un inciso a esta altura para decir que en todos los ciclos de esta saga, hay situaciones y personajes que fueron verídicos, producto de la documentación que hicieron los autores, y que supieron muy sabiamente mezclar con cosas de su invención, dándole ya desde bien pronto a la saga un toque histórico, un status que ninguna otra serie del Oeste ha llegado a tener.

Hasta aquí se puede decir que llega el Blueberry clásico, el Blueberry como tebeo de genero puro, en este caso de genero del Oeste, siguiendo a su vez ese paralelismo con el cine del Oeste, en este caso con la época dorada del Western, años 40, 50 y primera mitad de los 60. Los ciclos que vienen después vienen ya con unas tramas, unos argumentos, unas caracterizaciones y personajes, unos diálogos y situaciones, en resumidas cuentas, una modernidad y una calidad, que aun siendo tebeos del Oeste, trascienden dicho genero aglutinando intriga, misterio, aventura, genero negro, denuncia social, genero histórico, genero carcelario, etc…

El siguiente ciclo, La mina del alemán perdido (1972-1973), compuesto de dos títulos, el mencionado y El fantasma de las balas de oro (inspirados los dos levemente en la leyenda del Lost Duchtman), es toda una lección de cómo en solo dos tomos sacar una inolvidable galería de secundarios digna del mejor cine americano y de una trama alrededor de una mina de oro realmente inolvidable. En cuanto a las películas referentes a este ciclo podemos mentar El tesoro de Sierra madre de John Houston y El oro de Mackenna de J. Lee Thompson, sobre una legendaria veta de oro emplazada en el territorio sagrado de los Apaches rodada un par de años antes, pero lo que ya se empezaba a adivinar eran las influencias del western europeo con Sergio Leone a la cabeza que en el lustro que va de 1965 a 1970 rodó sus películas fetiches.

El oro de Mackenna. J. Lee Thompson (1969)

Y con estas apareció Chihuahua Pearl, primer tomo del ciclo de El oro confederado (1973-1975), compuesto de cinco tomos. Para mí el ciclo estrella de la saga y uno de las cumbres del 9º Arte. No voy a hablar mucho de la genialidades de este ciclo, para eso están las críticas y estudios sobre Blueberry; mencionar que aquí la galería de personajes es sencillamente brutal encabezando el reparto uno de los personajes más memorables, Chihuahua Pearl (la zorrita de la Pearl como diría Jimmy McClure), prostituta, espía, atractiva aventurera, mercenaria, la antitesis de Bluberry. A este ciclo se le puede adjudicar influencias cinematográficas tan genéricas y dispares que sería difícil especificarlas, creándose una mixtura de géneros realmente fabulosa. Solo mentar que tenemos articulada un trama realmente trepidante y endiablada, con complots para matar al Presidente de USA, cárceles denigrantes con fugas de por medio, misiones suicidas, juego doble de espías, tiroteos, explosiones y violencia en la línea del mejor Pechimpah, asesinos a sueldo con cara de Ángeles, la mejor ambientación del mejor México prerrevolucionario que se ha hecho en la Historieta, locura y muerte desatada por el oro, traiciones y traiciones y mas traiciones en un juego infernal que deja, literalmente al lector, sin aliento y en estado de shock. Aparte de esta impresionante labor de Charlier, Giraud esta en este ciclo en su más excelso momento; con eso os digo todo, no necesito entrar en detalles.

Por Un Puñado de Dólares. Sergio Leone (1964)

Y ya llegando a su cenit, se publico Nariz rota, primer álbum del ciclo de Vitorio y los navajos (1980-1983), compuesto por cuatro títulos mas dos tomos broche donde los autores van cerrando las cuestiones planteadas en ciclos anteriores. En este ciclo los autores muestran la desmitificación y la decadencia del viejo Oeste y la llegada de los nuevos tiempos que hace agonizar toda una época, agonía que recorría también el cine del Oeste en aquellos años. Blueberry ya no es tal sino es Tsi Nah Pah. y se avergüenza del hombre blanco y de la supuesta modernidad que esta acabando con toda una forma de vida y una época histórica. Los western que pueden influir partiendo de los más antiguos como El incidente Ox-Bow de William A. Hellman, alegato furibundo contra el linchamiento y la injusticia, el ultimo western de John Ford, El Gran Combate, todo un acto de justicia hacia la nación india, o Pequeño Gran Hombre, atípico western de Arthur Penn, otro alegato crepuscular del viejo Oeste, aunque también se adivina influencias desde Sam Pechimpah, Michael Cimino o Clint Eastwood.

El Gran Combate. John Ford (1964)

Y pensando en terminar este fabuloso recorrido, llego el óbito de Jean Marie Charlier, cosa que hizo pensar a mucha gente que o El teniente Blueberry se había acabado o Giraud se podía convertir en Moebius y despersonalizar la saga haciendo experimentos raros. Al final, Giraud contradiciendo a mucha gente, demostró que tantos años con grandes guionistas le habían traído un bagaje realmente interesante y termino la saga con El ciclo de Geronimo y el O.K. Corral (1995-2007), compuesto por cinco tomos, donde nos regala su versión del famoso duelo de Wyatt Earp y Doc Holiday, con Blueberry de por medio como genial observador. Decir que Giraud nos acerca la cámara de manera genial a unos personajes, y los disecciona con el bisturí todo en aras de profundizar psicológicamente en un momento cumbre de esa época y una de las grandes leyendas del Oeste, con un dibujo mas Moebius que nunca pero con ese toque clásico Blueberryeresco. De las influencias de películas clásicas referentes al famoso duelo podemos mencionar Pasión de los fuertes de John Ford o El póker de la muerte de Henry Hathaway, aunque lo que de verdad se nota son influencias genéricas y variadas como pueden ser el personaje de John Wayne en Centauros del desierto o Sin perdón de Eastwood o El golpe y Dos hombres y un destino de George Roy Hill.

Dos Hombres y un Destino. George Roy Hill (1969)

Y despedirme, con un alegato doble: el primero a favor de este tipo de cine, que aunque hay muchas películas que han envejecido mucho y mal, hay bastantes otras que se mantienen con un vigor y una calidad que estoy seguro que más de uno se sorprendería y el segundo es, como no, a favor de esta obra maestra de arte de la viñeta, donde se conjugaron dos de grandes de esta disciplina artística para mostrarnos como se vive la aventura en letras mayúsculas siempre manteniendo la integridad moral y la dignidad como argumento principal y maestría por bandera.

Nuevo Blog

2010-01-27T00:26:00.004+01:00

Bueno, pues dicen que "el que avisa no es traidor".
Dicen, también, que "si no quieres caldo, toma dos tazas"
Ya os amenacé en su momento con que iba a abrir otro blog... pues en realidad, serán dos.
Pero no os preocupeis mucho... también se dice que "no hay mal que 100 años dure"

Aquí tenéis el enlace, del primero de ellos, por si queréis pasaros:

http://hojeador.blogspot.com/

Me falta pulirlo un poquito. No se como quitar la negrita del texto, crear enlaces en el mismo y poner un gadget con los últimos comentarios... en fin, que uno cambia de plantilla y todo lo que cree saber se va al traste...
Se arreglará.

Un saludo.

BD - Beautiful Day. (Movie Version)

2010-01-14T23:27:00.010+01:00

Pinchar sobre la pantalla de diapositivas para verla más grande.

The End.

Pues esto ha sido todo, como ya adelanté por aquí.
Y que mejor manera que despedirse de esta forma tan optimista como un día, no hace mucho, me sorprendí despertando.
Ha sido un verdadero placer.
Nos vemos pronto en otro blog y quizás, solo quizás y si la suerte acompaña, tambien en otro formato.
Un abrazo.

Localización de Escenarios: Cuando la Loca Meg Abandonó el Cuadro de Brughuel.

2010-01-12T01:04:00.006+01:00

Con este número 13 de la serie Bois Maury , llegamos al segundo en el que podemos observar el trabajo de Ives H. a los guiones, y segundo igualmente en el que se nos presenta un historia onírica.
Influenciados por Brughuel “el Viejo“, y más concretamente por el cuadro que lleva el mismo título que los autores han querido dar a su obra (Dulle Griet), Hermann e hijo nos llevan al Flandes del siglo XVI. Para, al igual que el cuadro de Brughuel, mostrarnos los demonios que las personas tienen dentro de si en una historia entre lo fantástico y lo terrorífico, en la que los autores no han dudado en mostrarnos al magnífico pintor como un personaje más del tebeo y la ciudad en la que desarrolla la historia, y los acontecimientos que en esta suceden, como lo que llevó al pintor flamenco a pintar dicho cuadro.

Para contarnos esta historia Hermann e Ives H. nos sitúan en Flandes, pero esto, al contrario del resto de la serie, es un hecho casi accidental pues, la historia, de igual manera hubiera quedado bien en cualquier otra ciudad europea del mismo siglo. Y es que, en este caso. los autores no dan tanta importancia a la parte histórica ni “documentativa” de la obra, lo cual se agradece, pues les queda un tebeo mucho más correcto que “Rodrigo“, en el que intentaron igualmente mezclar los sueños y lo fantástico con lo real e histórico sin mucho éxito.

Como digo, la documentación para esta obra parte sobretodo del imaginario de Hermann que se niega a situar la acción en un sitio concreto de la Flandes del siglo XVI, sin embargo, podemos comprobar como la población que nos enseñan guarda muchas similitudes con la ciudad belga de Brujas y desde ahí, partiré para mostraros la última entrada de esta sección.
Así podemos observar como la ciudad, y más concretamente una de sus torres y el pintor flamenco, Brueghuel, se convierten en protagonistas del tebeo y en sus mejores observadores, atentos en cada viñeta, de la historia que nos cuentan padre e hijo.

No me puedo resistir a mostraros este enlace que he descubierto, mientras buscaba imágenes para esta entrada. Es un interesante post sobre la censura a un cuadro de Brughuel “el viejo” y es que la censura, al parecer, no conoce de tiempo y de lugar.

http://embu2.wordpress.com/2009/02/27/la-censura-esa-vieja-conocida/

Un saludo.

La Visita: Japi.

2010-01-08T06:41:00.005+01:00

Ya dije en su momento que si algún amigo tuviera la visita planeada, a medio acabar, y quisiera participar en ella, sin dudarlo ni un momento, le abriría las puertas de La Caraviñeta.
Así, cuando uno de los Japis apareció en mi puerta, con una botella de vino (gran reserva, por cierto) no pude hacer otra cosa que levantar el cierre y empujarlo para dentro y así poder charlar un rato con él.

Y es que Japiland, o Ui Ar de Japis en el idioma de sus habitantes, es uno de los países más atrayentes y fantásticos que se puede visitar por el mundo comiquero de internet. Paisajes de una gran belleza acompañarán al turista que se deje perder por sus maravillosos caminos. Donde el arte (el noveno, exactamente) se puede observar en cada una de sus rincones.

Para el que nunca haya visitado tan emblemático destino, me permito aconsejarle sobre los monumentos más importantes a visitar:

Noticias
Autores
Homenajes
Portadas
No dejéis de visitarlo. Os encantará.
Con Japi (uno de ellos) hablamos sobre las Pequeñas Joyas, que nos ha dado este arte.

Pues yo era uno de los invitados para una de esas "visitas" pero ... no tuve bastante con unos meses para currarme una entrada con cara y ojos y ... se acabaron las visitas.

Y hoy es Día de Reyes y quería hacerle un regalo a Angux que se cansó de esperar mi colaboración.

Aquí está parte del material comentado que recopilé para su "visita" y nuestra más calurosa recomendación de "visitar" su más que recomendable blog.

Dada mi ineptitud para hacer comentarios profundos sobre tebeos decidí bucear en mi maltrecha mente y mi atestada biblioteca buscando esas "pequeñas joyas" que en un momento u otro alumbraron mi vida, mi mente, mi corazón. Intenté esquivar esas "obras magnas" que a todos nos vienen a la memoria, nada de "watchmens" o "trazos de tiza", nada de "Elektras asesinas" ni "Torpedos". Intentar pensar en esas viñetas, esas páginas, esas escenas que en un momento u otro tocaron las cuerdas axonales de mis derruidas neuronas tocando alguna melodía especial.

Y todo comienza con el Calvin y Hobbes de Bill Watterson. Los maravillosos personajes que siempre funcionan como "simiente" haciendo crecer ideas y sensaciones agradables en quien las lee.

Y un especial recuerdo me trae esas viñetas y tiras con protagonismo de los "muñecos de nieve".

Y de ahí nos venimos al final de una de mis historietas favoritas de Corto Maltés del gran dibujante y aventurero italiano Hugo Pratt. Es una de las historietas recopiladas en el tomo de "Las Célticas" y estaba ambientada en el IRA y su lucha contra la tiranía británica en una visión romántica de la lucha armada por unos ideales, algo que a día de hoy resulta tan políticamente incorrecto siquiera pensarlo.

Digna de mención es esa última viñeta con un pensaroso Corto sentado en una playa rodeado por gaviotas, una viñeta que resumen a las mil maravillas al personaje y a una actitud contemplativa y a la vez activa en la vida, algo tan alejado de los acelerados tiempos que nos tocan vivir donde no tenemos tiempo de "contemplar" (ni de hacer las "visitas" imprescindibles) y precisamente nuestra misión en LA VIDA mayoritariamente no pasa de ser meros contempladores, testigos de los acontecimientos que nos tocan vivir y que cada vez nos es más difícil influir en ellos.

De esa viñeta, haciendo la mínima búsqueda de material de referencia, ví una versión coloreada que os pongo y que está "girada" con respecto al original de la historieta. Es curioso que con este simple "giro" cambia totalmente la narrativa de esa viñeta. En la viñeta coloreada Corto mira hacia la derecha, si "leemos" esta imagen parece que el personaje está reflexionando sobre el futuro, la derecha del punto en el que estamos es lo que está por venir, lo que está por leer, lo que está por escribir. En cambio en la disposición original mira a la izquierda, al pasado, a lo ocurrido, a lo leído, a lo escrito. Este efecto está aumentado cuando por la diposición de las últimas dos tiras de la página podemos contemplar a Corto "observando" su despedida de la preciosa joven activista irlandesa que lo acaba de dejar por la lucha por unos ideales.

Y de italiano a italiano en esta magnífica "Splash page" del "H.P. y Giuseppe Bergman" de Milo Manara.

Una obra que tiene una relación con Hugo Pratt que es protagonista como maestro de ceremonias de las imposibles aventuras de un personaje como Giuseppe Bergman que va saltando de aventura en espacios abiertos a aventuras introspectivas, a experiencias polítiqueras herederas de la utópica utopía de Mayo del 68, con el imprescindible toque erótico que nunca falta en cualquier obra de Manara.

Esta viñeta-página que ilustra como pocas el proceso alucinatorio-psicodélico-lisérgico de un viaje de peyote me persiguió durante mucho tiempo tanto en mis buenos sueños como en mis nefastas pesadillas.

Espero que ahora haga lo mismo con vosotros.

Y cambiando de tercio me puse a pensar en el personaje que me hizo volver a los cómics de superheroes después de años de desapego y rápidamente estas tres escenas vinieron a mis cabecita. Dos de la insuperable etapa de Chris Claremont y John Byrne en la colección. La primera siempre la recordaré leída en esas ediciones Vértice en Blanco y Negro en el interior de un Seat 850 verde oliva (nuestro primer coche familiar). Esa conversación cortante entre Cíclope y Lobezno quedó grabada en mi mente no sé el motivo pera aún la releo y me encanta.

La segunda escena es la típica e impactantísima salida de Lobezno de las aguas fecales de las cloacas del Club del Fuego Infernal.

La otra imagen es esta splash page inicial de la miniserie del personaje que hicieron Chris Claremont y Frank Miller, en ella se acuña otra de las frases míticas: "Yo soy Lobezno. Soy el mejor en mi oficio, aunque mi oficio no sea muy agradable".

Y aqui os presento la más surrealista viñeta que os podáis echar a la cara. Una viñeta perpetrada por el talento mágico de Alan Moore y plasmada gráficamente por Kevin Nowlan. Una viñeta dentro de una de las historietas de Jack B. Quick dentro de las Tomorrow Stories de Alan Moore.

Leedla y alucinad conmigo.

Y en estos momentos se me aparecieron dos imágenes de las historietas del gran Jean Giraud 'Moebius'

Imágenes, escenas e historietas con un componente fálico realmente importante. Podemos empezar por esa doble página de la impagable historieta de Long Tomorrow que contaba con guión de Dan O'Bannon. Y seguiríamos con una "obra menor" del genio francés, El Lúbrico Crónico, basada en un personaje con una erección irreductible durante la mayor parte del tebeo.
Es lógico, y espero que excusable, que estos dos tebeos influyeran de forma notable en un descontrolado lector adolescente.

Y no puedo dejar de mostrar unas páginas magistrales del "Un poco de humo azul" de Rubén Pellejero con guión de Lapiere. Os pondría cualquiera de las páginas que son un concierto de historias, narrativa, dibujo y colores que te abordan y te desbordan a partes iguales, pero he escogido estas páginas mudas de la última parte del libro ... qué difícil es contar tanto con tan poco ... y qué bien lo hace Rubén.

He de reconocer que mi afición comiquera se cimentó en mi adolescencia en las "Revistas de cómics" que en su tiempo se llamaron "para adultos". En nuestra biblioteca, que ahora descansa en casa de mis padres, están las colecciones completas o "bastante completas" de revistas como 1984 y su heredera Zona 84, Creepy, Ilustracion & Comix, Cimoc, Cairo, Totem, Rambla, Rampa, K.O.Comics, ...

Pero a la hora de poner algo relacionado con estas revistas me vino a la mente este número de presentación de la revista Complot que editara el insigne Joan Navarro y que en este número contó con una portada de Mique Beltrán (que en el interior presentaba la serie de Mujeres Fatales que guionizaba con dibujos de Max).

En el interior de este número había tres maravillas en forma de historietas cortas de las que aquí os pongo una página de muestra. La primera es una historieta de Federico del Barrio con el título de "Cantaré una canción cuando despierte". Una maravilla de juego comunicativo entre emisor y receptor, mensaje y mensajero, medio y contenido, que nos deja con un regusto magnífico.

Sigue la historieta de Peter Pan de Pere Joan, una de las incluídas en el tomo "Mi cabeza bajo el mar". Un juego melancólico entre la edad que no pasa y la edad que no para de pasar. Una delicia gráfica que deja un regusto intencionadamente amargo.

Y acaba la excelente historieta de "El Rey del Congo" que dibuja Raúl sobre un guión del recientemente premiado con el Premio Nacional del Cómic con el dibujante Bartolomé Seguí Felipe Hernández Cava. Una historieta sencilla que unen admiración infantil, ilusiones y responsabilidad de la figura del "admirado" en la alemania pre-nazi. La importancia de "hacer lo que se tiene que hacer" como hilo conductor de las ilusiones que tienen muy duro el pervivir. Una maravilla.

Y aquí se acaba la "visita" por hoy. Había más imágenes que se quedaron en la cuneta y había un buen puñado de "Ataques contra la cuarta pared", otro de los temas recurrentes en mi desolada mente que aparecerán por aquí en unas semanas.

Me despido de vosotros y especialmente de Angux al que deseo que le haya gustado este especial "Regalo de Reyes".

Sorteo. El Ojo del Diablo. (El Premio)

2010-01-08T00:38:00.003+01:00

Pues la suerte ha querido que el ganador del sorteo de un ejemplar de El Ojo del Diablo, de Tirso, Antunes y Montes, sea el amigo Iluvatar. A quien podemos conocer por su interesante blog dedicado a la BD: BD Spain.
Enhorabuena!
Espero que te guste, Iluvatar!

A los demás, las 26 personas que habéis participado, daros las gracias por haberlo hecho e invitaros a participar en algún otro sorteo que habrá más adelante, ya en otro blog.

Muchas gracias a todos.

Localización de Escenarios: El sueño Toledano de Bois-Maury.

2010-01-05T01:43:00.002+01:00

Llegamos al número 12 de una de las mejores series clásicas que se han editado en lo que a comic histórico se refiere ( con permiso de Palacios, Bourgeon y Juillard)
En este número Ives H. (hijo de Hermann) toma las riendas de los guiones y junto a su padre, y el fantástico dibujo de este, no presenta una historia que transcurre en la España de 1325, cuando La Corona de Castilla y su jovencísimo rey Alfonso XI, luchaban contra los ejércitos de Al-Andalus, prosiguiendo la campaña de Reconquista que les llevará desde Toledo a Granada.
Estamos posiblemente ante el peor número de toda la serie. Y lo es principalmente por un guión que intenta escapar del rigor histórico que la serie nos tenía acostumbrados escondiéndose tras un relato onírico y que pretende dar una lección de tolerancia demasiado visible que no llega a convencer del todo. Con un protagonista, descendiente del linaje de de Aimar de Bois-Maury, que no siente ni la lucha, ni el lugar como suyo.

A esto habría que sumar el tema que hoy nos acontece. Muchas de sus localizaciones son parte del inventivo de los autores, y ojo, no digo que esto sea malo, pero en un comic al que se presupone un cierto rigor histórico resulta cuanto menos curioso encontrar un monasterio cercano a Toledo llamado San Gabriel (inexistente), una ciudad amurallada con el nombre de Monterrán (inexistente) y que me he permitido compararla con Jaén y su Castillo de Santa Catalina, o con un líder (desconocido) de la Granada conquistada llamado Rachid Al- Muayyad (¿?)
A pesar de lo anteriormente dicho, hay viñetas que muestran una estupenda documentación (como la del alminar de la Mezquita de Córdoba, que veremos a continuación) y el tebeo, se hace entretenido y, lo más importante, no devalúa el conjunto de la obra.

Veamos algunas de estas localizaciones.

Un saludo.

La Visita: S e b a s.

2010-01-03T09:01:00.003+01:00

Hoy recibimos la última visita en La Caraviñeta de la mano de S e b a s y cerramos así la mejor sección que ha tenido este blog. En ella se ha logrado una participación que, sinceramente, no esperaba y todas y cada una de sus entradas han sido de una calidad y generosidad desmedida.
Aprovecho para agradecer nuevamente las "visitas" de todos los que hebéis participado en ella e, igualmete, agradecerselo también a los que seguro iban a participar y no lo habían hecho aún por falta de tiempo... siempre el tiempo.

S e b a s nos enseña en La Estantería de mi Casa su particular colección de originales, de dedicatorias que consigue de sus autores preferidos y algunos dibujos a los que el mismo da forma para alguna ocasión especial. Igualmente se encarga de refrescarnos la memoria hablándonos de la extinta Editorial Valenciana y sus autores.
Junto a él, hablamos del pasado Expocomic donde tuve el gusto de saludarle personalmente:

XII Edición del Salón del Cómic internacional de Madrid, Expocómic 2009

Coincidiendo con la hora en la que muchas personas se concentraban este sábado en la capital de España para manifestarse y protestar contra la crisis económica y el desempleo en la que este país se encuentra inmerso, el Pabellón de Convenciones de la Casa de Campo acumulaba una gran afluencia de aficionad@s al cómic deseosas de evadirse por unos momentos y poder disfrutar con esta sana afición.

De vuelta ya de la 12º edición de EXPOCÓMIC celebrado en el Pabellón de Convenciones de La Casa de Campo. Un poco agotado a pesar de haber estado únicamente el viernes y sábado. Han sido casi dos días completos por allí sin parar ni un momento. En esta edición se han podido ver buenos dibujantes por los diferentes stands y en las sesiones de firmas. De las exposiciones que pude ver yo destacaría para mi gusto, sin desmerecer por supuesto las otras, la de LOS ORÍGENES DE EL SILENCIO DE MALKA (de Jorge Zentner y Rubén Pellejero).

El sábado por la mañana en la sesión de firmas para los aficionados pudimos ver entre otros a ANA MIRALLES, PURITA CAMPOS, JORDI BERNET, SANJULIAN, MARTÍN SAURÍ, etc, etc…
En primer plano vemos a la dibujante Ana Miralles, haciendo un dibujo curradísimo en mi bloc de bocetos.

Esta es la relación de ganadores de los premios Expocómic 2009

Mejor Obra Nacional:
El Juego de la luna (Enrique Bonet y José Luis Munuera; Astiberri)

Mejor Guionista Nacional:
Enrique Bonet (El Juego de la luna; Astiberri)

Mejor Dibujante Nacional:
Rafa Sandoval y Roger Bonet (El Increíble Hercules: Invasión Sagrada; Panini Comics)

Mejor Obra Internacional:
Los Muertos Vivientes 8: Creados para sufrir (Robert Kirkman y Charlie Adlard; Planeta DeAgostini)

Mejor Autor revelación:
Salva Espín (WWH: El Día Despues Control de Daños; Hercules, Lobezno Primera Clase; Panini Comics)

Mejor Fanzine:
Adobo 3

Mejor Comic On Line:
Pardillos

Felicitar desde aquí al amigo Roger Bonet por su reciente premio en este Expocómic al mejor dibujante nacional. Muy entretenido ese ratillo de dibujos y cervezas junto con él, el dibujante Jordi Tarragona y Antonio Busquets.

Nos vemos en el XIII EXPOCÓMIC de MADRID.

Felices Fiestas! de parte de Eduard Torrents.

2010-01-02T02:20:00.002+01:00

Eduard Torrents nos felicita el año con esta fantástica postal, posiblemente inspirada en su próximo trabajo.
Solo con ver este dibujo ya se me hace la boca agua Eduard. Ya lo estas acabando!!

Feliz año igualmente.

Felices Fiestas! de parte de Pellejero.

2010-01-02T02:16:00.002+01:00

Rubén Pellejero nos felicita el año con esta fantástica y original postal.
Feliz año igualmente, Rubén. Este año, por fin, podremos disfrutar de algunas lecturas tuyas y estoy deseando hacerlo.

Felices Fiestas! de parte de Trazos en el Bloc II

2010-01-02T02:11:00.002+01:00

Trazos en el Bloc también nos felicitan el año con una nueva ilustración de Gonzalo Vázquez.
Muchas gracias y lo mismo os deseo a todos los Trazeros. Fantástica página.

Felices Fiestas! de parte de Entrecomics.

2010-01-02T01:56:00.002+01:00

Los chicos de Entrecomics (página de consulta diaria) también nos felicitan el nuevo año.

Mis mejores deseos también para vosotros.

Yahoraque?

2009-12-30T08:38:00.003+01:00

Pues después de pensarme mucho el camino a seguir, después de pensar por bastante tiempo cual sería la opción correcta y que señal sería la que me he de saltar, la decisión está tomada y esta vez sin retorno.
La Caraviñeta cierra definitivamente sus puertas.
Tras ellas, dejo amigos que me han traído las ondas y espero seguir manteniendo un contacto, con ellos, tan vivo como hasta ahora.

Esto no es algo nuevo, no. Ya lo intenté en su momento sin éxito, pues es difícil despegarse de algo que gusta y que te recompensa con impagables muestras de afecto. En esta ocasión, no habrá marcha atrás (una de las señales también lo prohíbe)
Las razones no dejan de ser las mismas o parecidas a las de aquella vez, el tiempo que cada vez parece asfixiarme más y un nuevo proyecto, del que ya comenté algo, que me dejará irremediablemente sin el poco aire que aún me queda.

Esta decisión esta más meditada que la otra vez, y no voy a dejar del todo lo de los blogs. Muy al contrario, tengo pensado abrir otro, con otro nombre distinto y que solo se parecerá a este en la forma de elaborar los comentarios de las obras que me apetezca, por una u otra cuestión, reseñar. Pero será un blog más pausado, solo de reseñas, con entradas más distantes, sin ninguna imposición.
Por allí os espero si os parece bien, ya os diré donde.

Que nos queda de La Caraviñeta?
Pues las dos entradas de Bois Maury prometidas en la sección Localización y Escenarios.
Una visita, la de S e b a s (alguna más si la gente que está invitada tiene a medias la suya)
La resolución del Sorteo de un ejemplar de El Ojo del Diablo (en el que todavía estáis a tiempo de participar siguiendo este enlace)
y eso será todo.

Para finalizar, permitirme que me mire algo el ombligo.
Creo que en este tiempo, modestamente, ha habido entradas buenas (al menos bastante trabajadas) Entre mis preferidas, y aparte de vuestras visitas, está la de La Metáfora Gráfica, Beautiful Day, o cualquiera de Localización y Escenarios, cada una por distintas razones. (Tampoco quiero obviar de esta lista, no por buenas si no por importantes para mi, la que les he dedicado a mis pequeñajos- 1 y 2 - o las de la sección la secuencia, en la que he conseguido - o al menos intentado - en varias ocasiones desnudarme con la palabra.)

Un abrazo a todos.

Felices Fiestas! de parte de Seguí

2009-12-30T08:30:00.002+01:00

Seguí también nos felicita las fiestas.
Muchas gracias, igualmente, que el próximo año sea tan bueno como este (al menos).
Y que nos regale un poco de Caos o de Niebla.
Feliz año, Seguí.

Felices Fiestas! de parte de Gabor

2009-12-30T08:22:00.001+01:00

Gabor nos felicita las fiestas y el nuevo año con esta bonita postal.
Muchas gracias Gabor, lo mismo para ti y que el próximo año podamos ver por aquí algún Patricio.

Sorteo. El Ojo del Diablo. (Recuerdo)

2009-12-26T11:36:00.002+01:00

Ya sabéis que estamos sorteando un ejemplar de El Ojo del Diablo de Tirso, Antunes y Montes, aquí en La Caraviñeta.
Para participar, seguir este enlace.

Un saludo.

Felices Fiestas! de parte de Ui Ar de Japis.

2009-12-26T11:33:00.002+01:00

Los amigos de la estupenda Web, Ui Ar de Japis, también aprovechan para felicitarnos las fiestas.
Lo mejor para vosotros también, amigos!

Un saludo.

Sorteo. El Ojo del Diablo.

2009-12-25T12:36:00.006+01:00

Ya se habían dormido todos en casa y yo, como siempre el último, estaba preparándome para ello.

De repente, escuché un ruido en el comedor. Rápidamente fui hacia allí, con cierto temor de que alguna de las perritas hubiese roto un jarrón o cualquier otra cosa del salón de casa de los padres de mi mujer. Cuando llegué me quedé pasmado.

Un tipo gordo, vestido de rojo y con una larga barba blanca estaba a los pies de la chimenea, levantándose como podía, y sususrrando una especie de maldiciones en algún idioma incomprensible.

Después de las presentaciones pertinentes, y de echarle en cara el scalextric que siempre le había pedido de niño y nunca me había traido, sacó de su bolsa un tebeo y me lo dió con estas palabras:

-He leído de vez en cuando tu blog, me apasionan los tebeos, y la gente que por allí pasa y comenta se merece un regalo. espero que este presente les llegue a alguno de ellos de mi parte.

Estupendo - dije - Haré una especie de sorteo.

Abrí el sobre y lo que vi me gustó. - Coño, el Ojo del Diablo de mi amigo Tirso. Y además con un pequeño dibujo suyo. - logré decir, casi mudo por las circustancias.

Si - contestó el Sr. Noel - En vista que los de Planeta van a tardar en sacar su "Mansión de los susurros" me pareció un título bastante acertado.

Cogí el comic, nos despedimos con un efusivo abrazo, y aquí estoy para hacer el sorteo tal y como le prometí al Sr. Santa.

Así pues los que queráis participar y llevaros el comic de Tirso, Antunes y Montes por la geta, ya sabéis, mandarme un email a lacaravinieta@gmail.com, con la respuesta a esta facilita pregunta:

Cuales son los títulos de las obras que se han publicado en Francia de Tirso Cons.
Entre todas las respuestas, haré un sorteo y el 7 de Enero daré el resultado.
Los gastos de envío, también corren por cuenta de La Caraviñeta.

Un abrazo y una vez más:
Felices Fiestas.

Felices Fiestas! de parte de Álvaro Pons.

2009-12-25T12:32:00.002+01:00

Álvaro Pons, también aprovecha para felicitarnos las fiestas desde su Carcel de Papel.

Gracias profe, Felices fiestas y feliz año para ti también.

Felices Fiestas! de parte de Trazos en el Bloc.

2009-12-25T12:27:00.002+01:00

Los amigos de Trazos en el Bloc también nos desean felices fiestas con esta pedazo de ilustración del "trazero" Gonzalo Vázquez.

Igualmente os deseo, amigos.

Felices fiestas!!

2009-12-23T01:37:00.000+01:00

Iba yo hoy a hacer una entrada que tengo casi preparada, de esas de muchas imágenes.
Lamentablemente mi cuerpo ha dicho: NO.
Toda la tarde (bueno, lo poco que me queda de ella tras la jornada laboral) me la he pasado durmiendo o en otras peores circustancias, por culpa de una pequeña, y maldita, gastroenteritis que se ha empeñado en fastidiarme las fiestas.
Así pues, es buen momento este para hacer un parón en la marcha del blog, desearos que paséis unas fantásticas fiestas, y una estupenda salida y entrada de año, rodeados de vuestros seres queridos e invitaros a que nos volvamos a leer ya el año que viene. (para el que ya tengo en mente algunas entradas que espero sean de vuestro agrado)

Muchas y Felices Fiestas!!

Imagen extraida de la serie de comics Thorgal de Van Hamme y Rosinski.

Un abrazo.

Felices Fiestas! de parte de S e b a s.

2009-12-23T01:33:00.002+01:00

S e b a s, amigo bloguero de La Caraviñeta, nos felicita las fiestas con una postal que se puede ver aquí o en su blog La Estantería de mi Casa.

Igualmente te deseo, amigo.
Felices fiestas!!

La Visita: Jose Luis Povo.

2009-12-21T01:10:00.004+01:00

Me apetecía hablar un poco de la línea clara.
Así pues, me puse en contacto con el amigo Jose Luis Povo, creador de Mis Comics y Más, el que es, posiblemente, el blog donde más, y mejor, información podemos obtener de esta forma de entender la historieta.

Jose Luis, amigo desde hace un tiempo de La Caraviñeta, no dudó ni un instante en hacernos una Visita y vino, como era de suponer, cargado hasta los dientes de tebeos.
De todos los que traía, algunos totalmente desconocidos para el que esto escribe, me llamó la atención uno en concreto, sus páginas no eran aún más que bocetos a lápiz. ¿Qué es esto? - pregunté asombrado- ¿Acaso posees algún original de uno de estos autores?. No, no, que va! - exclamó Jose Luis - Es un comic en el que me encuentro trabajando en estos momentos, ¿Acaso no has visto en mi blog mis antiguas historietas?.

Así, hablamos de la fantástica pinta que tenía su proyecto y también, y como es lógico, de la línea clara, donde dejó muestras de lo mucho que sabe al respecto.

Tras la Estela de Hergé.

El 3 de marzo de 1983, un día como cualquier otro, llegué al colegio (contaba entonces 15 años) y mi amigo Ángel llegó poco después exclamando:”ha palmado Hergé!”.A esas alturas había leído varias veces a cada uno de los 22 álbumes de Tintín. Llevaba 8 años, desde que salió Tintín y los Pícaros, fijándome en las estanterías de El Corte Inglés para ver si aparecía ese nuevo álbum en el que se decía que el maestro estaba trabajando. Ante la ausencia de nuevos libros de Tintín, llevaba algún tiempo preguntándome si existían otras series parecidas en las que poderme refugiar bajo el conocido lema” a falta de pan buenas son tortas”.

Inicié entonces un camino de baldosas amarillas que voy a tratar de contar lo mejor que pueda para compartirlo con los lectores de La Caraviñeta, respondiendo a la amable invitación del amigo Angux.
Con motivo de la muerte de Hergé se publicó el CAIRO ESPECIAL HERGÉ, revista excepcional que a muchos nos permitió, entre otras cosas, saber algo más sobre otros dibujantes afines a Hergé. A través de dos artículos, firmados por Ignacio Molina y Ramón de España respectivamente, pude acercarme, por un lado, a la obra de los colaboradores de Hergé (Edgar P.Jacobs, Bob de Moor y Jacques Martin) y, por otro, a los autores que en los años ochenta recogían el testigo de Hergé de una u otra forma, y que pertenecían a lo que ha dado en llamarse “Escuela de la Línea clara”. A lo largo de este artículo me referiré varias veces a este CAIRO, que para mí fue el hito de salida del camino por la estela de Hergé, y voy a ir dando mi visión personal de los comics y autores que allí se citaban, siguiendo así un hilo conductor del que quedan fuera, lo sé, otros autores, también influenciados por Hergé, como Tibet, Vandersteen, Craenhals, etc. , sobre los que os invito, si tenéis interés, a conocer un poco a través de mi blog mis comics y más.

Precisamente pocos meses antes de ese 3 de marzo había descubierto a Blake y Mortimer, de Edgar P. Jacobs, a través de “El misterio de la gran pirámide”, serie que acababa de empezar a publicarse, por primera vez en España, por Grijalbo. Aunque ignoraba que su autor, Edgar P. Jacobs, había sido colaborador de Hergé, me llamó la atención la similitud entre su estilo de dibujo y el de Tintín. Me abalancé sobre Blake y Mortimer con esa idea de encontrar algo parecido a Tintín, pero en seguida me di cuenta de que ambos universos eran muy diferentes.

Gráficamente, Jacobs va abandonando poco a poco la línea clara de “El misterio de la Gran pirámide” y su dibujo se va haciendo más realista, sin perder ese tono teatral que para mí es uno de los rasgos que más le caracterizan. Lo que más eché de menos en sus aventuras fueron los gags y en general el sentido del humor que envuelve a las historias de Tintín. Eso no quita para que con el tiempo me fuera haciendo con toda la colección y me fuera dejando envolver por esa combinación de misterio, ciencia ficción y flema británica que caracterizan los álbumes de estos héroes. Las diferencias entre Hergé y Jacobs, y la dimensión misma de la
obra de este último, me parecen suficientes para no considerarle un seguidor o discípulo de Hergé, sino un clásico en sí mismo.

Siguiendo con los colaboradores de Hergé, el que a priori parece que ofrece al lector de Tintin más posibilidades de disfrute es Bob de Moor, por la similitud que presenta (insisto, a priori) su personaje Barelli con Tintín. La similitud es tanto gráfica como en la temática de las historias. El dibujo de las historietas de Barelli recuerda muchísimo, sobre todo en los últimos a álbumes, al de Tintín. No en vano De Moor fue durante los últimos años de vida de la serie Tintín, la mano derecha de Hergé, y a su plumilla debemos el 100% de álbumes como Tintín y los pícaros o el remake de La Isla Negra. Barelli es un actor de teatro dado a meterse en follones, que de vez en cuando utiliza fuera del escenario su habilidad para caracterizarse, cuando le conviene para salir con bien de los enfrentamientos con villanos de la peor especie en los que se ve envuelto.

Ante este atractivo planteamiento, me puse a leer con ilusión la primera aventura de Barelli y me encontré con que, si Tintín se lee de un tirón, Barelli me resultaba tan aburrido que me costaba trabajo terminar el álbum. Primera pista de que algo muy especial debe tener Tintín para que el más cercano colaborador de Hergé no consiga acercarse ni de lejos al resultado de su maestro. Después he conocido sus otras obras Johan et Stephan (aquí Oscar y Julián), que me han dejado también bastante frío, y Cori el Grumete. Ésta última, curiosamente en la que De Moor más se aleja de Tintín, me parece su obra más lograda. Aunque aquí se ve a De Moor algo incómodo en el dibujo de los personajes, las historias tienen más intensidad y mantienen mejor el interés.

El siguiente paso era abalanzarme sobre las principales obras del otro gran discípulo de Hergé, Jacques Martin: el galorromano Alix y el periodista Lefranc. Cuál no sería mi sorpresa al ver que se trataba de comics muy serios, que se me antojaban muy diferentes a Tintín, tanto por el mayor realismo del dibujo como por el carácter dramático de las historias. Si en Blake y Mortimer casi no había humor, aquí sí que estaba ausente por completo.
En una segunda visita, años después, a los comics de Jacques Martin, ya sin la obsesión de buscar ese clon de Tintín que a mis quince años había buscado desesperadamente, los he apreciado mucho más. Alix es una serie muy sólida, con un gran cuidado por el detalle y la verosimilitud histórica, con un dibujo riguroso y de gran calidad. Los personajes son más realistas que en Tintín, y eso es coherente con el hecho de que las historias que se cuentan también tienen carácter más serio. Respecto al dibujo de los fondos (paisajes, ciudades, etc.), si los miramos con detenimiento, nos daremos cuenta de su parecido con los de la etapa de Tintín “El asunto Tornasol” o “Stock de Coque” y se evidencia que fue Martin quien se ocupó de dibujar los fondos de estos álbumes de Tintín. Hace poco he sabido que algunos gags geniales que aparecen en Tintín en esa época, como el famoso del esparadrapo de “El asunto Tornasol”, se deben a Martin. Parece ser que se su capacidad para el humor la reservaba para su trabajo con Hergé. Las aventuras del periodista Guy Lefranc, la otra gran serie de Martin, también me han proporcionado momentos de disfrute, una vez que entré al trapo en su mundo de amenazas globales y armas absolutas. Se trata de una serie que por su temática y tono, encuentro más cercana a Blake y Mortimer que a Tintín.

Podríamos decir que Martin se fue de los estudios Hergé no para hacer “más de lo mismo” en solitario, sino para hacer cosas muy diferentes, y de hecho después ha ido creando su propia escuela, hoy plenamente viva y en activo, al igual que el maestro, y que ha dado vida a un buen número de otras series (Jehn, Orion, Keos, Arno y Löis).

Como decía antes, el otro mundo que se abrió ante mí gracias a aquel CAIRO ESPECIAL HERGE fue el de los historietistas de línea clara que en esa época estaban firmando obras en las que, de un modo más o menos explícito, se percibía la influencia de Hergé: Ted Benoit, Floc´h, Yves Chaland, Dick Briel y Tardi. Aunque reconozco que agrupar a los artistas en corrientes o escuelas suele ser útil, no soy demasiado amigo de las etiquetas, y de hecho creo que en una lista de sólo cinco dibujantes, como la que acabo de poner, se encuentra gente con rasgos muy distintos. En el caso de Benoit y Briel, el parecido con Tintín es más evidente. Floc’h y Chaland y aúnan, como veremos, otras influencias, consiguiendo un resultado más personal. Y en el caso de Tardi, más todavía, con lo cual deliberadamente dejo su obra, fascinante y única, fuera del alcance de este artículo.

Benoit, responsable de haber dado base teórica a la línea clara en su libro “Vers la ligne Claire”, consideró en un momento dado de su carrera que había dado con un estilo, heredero directo del de Hergé, que se ajustaba perfectamente a las historias que quería contar, y que ese iba a ser a partir de entonces su lenguaje gráfico. Abandonó pues el trazo underground de obras suyas anteriores como Hospital para entregarse a la estética hergeiana. Y a fe que el resultado resulta atractivo. Al acercarnos a su obra Berceuse Electrique, (a la que por cierto dejaba como un trapo Ramón de España en el artículo de Cairo), vemos cómo se crea ante nuestros ojos toda una ciudad imaginaria, Metrópolis, que se desarrolla en el futuro pero con la estética de las urbes americanas de los años cincuenta. Coches, ropa, diseño, arquitectura, etc., nos trasladan a esa épica mítica, y estéticamente el resultado está logradísimo. El empleo del blanco y negro contribuye también a evocar el cine negro norteamericano de aquella época. A pesar de ser en blanco y negro, no carga con sombras las páginas, si no que utiliza la escala de grises (Podemos hablar de un dibujo en blanco, negro y gris). La única pega es que las páginas resultan un poco plomizas, quizá les habría hecho falta algo más de blanco.

El argumento de esta nana eléctrica, inverosímil y rebuscado, es una de las causas del vapuleo que le propinó el amigo Ramón de España. Sin embargo, yo le veo su gracia y me recuerda por momentos al cine de Hitchcock, o las novelas de Raymond Chandler, en las que se van concatenando escenas y situaciones que te van intrigando y a las que no encuentras en principio ninguna explicación. La falta de “pies y cabeza” de la historia, que criticaba De España, me parece un rasgo intencionado por parte de Benoit, que está en la base de todo.

Así pues, en nuestro camino siguiendo la estela de Hergé, creo que Benoit es una escala obligada y la mejor muestra de que integrar influencias suele dar resultados interesantes; en este caso, se plasman en una sola obra la pasión de Benoit por el cine americano clásico con la estética tintinesca, y ambas cosas casan bien.

Algo parecido podemos decir de Floc’h y Rivière cuyo personaje Francis Albany llenaba la portada del nº 1 de CAIRO. Joan Navarro quiso estrenar su revista con “Dossier Harding”, una intriga policíaca al estilo de Agatha Christie, segunda entrega de su trilogía inglesa. Más tarde nos ofreció la primera, “Cita en Sevenoaks”. Pero sin duda eligió Dossier Harding para empezar porque en ella el estilo de dibujo de Floc’h estaba más depurado. Recuerda a Tintín, pero los personajes tienen unas proporciones algo más realistas, como en Jacobs. Los rostros también son menos esquemáticos que en Tintin, pero conservando el lenguaje de línea clara, sin sombras ni excesivo detalle en los rasgos. Esta estética le va bien al ambiente de intriga amable, de novela policíaca británica, de las historias escrita por Rivière. En el modo de dibujar a las mujeres, podemos decir que Floc´h parte de cero si se fija en Hergé y Jacobs, pues en la obra de éstos estaban casi ausentes. Aquí se trata de mujeres bellas y elegantes que nada tienen que ver, por ejemplo, con la Castafiore. Y he de decir que consigue unos personajes atractivos y elegantes.

En la parte que le toca a Rivière, el guión, podemos decir que su pretensión está lejana de querer construir una historia que se parezca a las de Tintín. La influencia del maestro está presente, sí, pero de forma sutil, pues ni las historias que se cuentan ni los recursos narrativos nos remiten al maestro de forma explícita o literal.
Un ejemplo más de integración de influencias con un resultado afortunado.

Otro de los autores que por aquella época homenajeaba abiertamente a Hergé era Yves Chaland, a través de su personaje Freddy Lombard. Podemos decir que es un caso aparte en la lista, pues se basa en Hergé, pero también en Franquin y Tillieux, y todo ello aportando un trazo personalísimo que tuvo una importante influencia en autores posteriores y que guarda, por cierto, bastante parecido con el de su contemporáneo Serge Clerc.

Esta línea moderna tuvo un eco importante en la de los dibujantes de la escuela valenciana y otros autores que mostraron sus obras en las páginas de CAIRO. Desgraciadamente, Chaland murió prematuramente, pero le dio tiempo a dejarnos, aparte de unas pocas historietas de Freddy Lombard, las de otros personajes como Bob Fish, Adolphus Claar y el joven Albert. Para mí es un buen ejemplo de autor que homenajea a los clásicos con intención de trascenderlos con un impulso moderno, y emprendió un camino que podría haberle llevado más lejos aún de no haber muerto tan joven.

Y nos queda hablar del holandés Dick Briel, autor de las aventuras del profesor Palmón, (por emplear el nombre con el que lo conocí en CAIRO; originalmente se llama Palmboom, en Juventud se tradujo como Palmera y en los países francófonos como La Palme). Palmón es un científico de mediana edad dado a meterse en líos a la primera de cambio; su aspecto poco atlético, unido a su condición de científico y su arrojo a la hora de pasar a la acción, hacen que recuerde un poco al profesor Mortimer.

Su partenaire, Thomas Dibbet, es un joven cuya única pretensión parece ser no complicarse la vida, lo cual contrasta con el carácter entrometido de su jefe. Parece curioso que, a pesar de ello, permanezca siempre fielmente al lado de su jefe. De vez en cuando, expresa tímidamente su disgusto por protagonizar situaciones en las que, sin comerlo ni beberlo, corre peligro su integridad física. Dibbet recuerda físicamente a Tintín; su rostro ovalado le hace parecer Tintín disfrazado con unas gafas y una peluca. De las series que hemos mencionado, la de Palmón es la que reúne más elementos hergeianos: un científico sin escrúpulos (Philpotts), una isla misteriosa, un arma de destrucción masiva, o una expedición a un país remoto con consecuencias inesperadas para sus miembros. Todo ello con un dibujo que recuerda mucho al de Hergé, si bien los personajes son menos cabezones que los del maestro, lo que les da un aspecto más real. Briel sitúa a los personajes en una época cercana a “las siete bolas de cristal” o “El asunto tornasol”.

Dicho esto, cabe preguntarse: ¿por qué Ramón de España en el mencionado artículo ponía a caldo a Briel? Le acusaba de servilismo, de copiar al maestro sin reinterpretarlo ni aportar nada nuevo. Bueno. A mí no me parece suficiente para descalificar una obra tan trabajada, y gráficamente tan conseguida. Pero lo que sí me pasa es que al terminar de leer una historieta de Briel me queda como una sensación de vacío. Aun habiéndola disfrutado, es como si echara algo a faltar. Me asalta la idea de que Tintín sólo hay uno, de que cuanto más nos aproximemos a su estilo, a los elementos que Hergé empleaba, en el guión y en el dibujo, más nos daremos cuenta de que en Tintín había algo más, algo intangible, que es lo que lo ha hecho tan grande.

Felices Fiestas! de parte de Corominas.

2009-12-21T00:16:00.003+01:00

Estaba yo envidiando malsanamente a los compañeros de otros blogs que recibían felicitaciones de autores y amigos en forma de dibujo cuando... el bueno de Enrique Corominas nos manda, a todos nosotros, este pedazo de felicitación.

En su blog, también felicita las fiestas, de igual manera, a todos sus lectores y amigos.

Feliz año para ti también Sr. Corominas.
Que el año que viene, podamos disfrutar del tan esperado Dorian Gray.

Thorgal # 31 El Escudo de Thor.

2009-12-18T06:42:00.004+01:00

Guión: Yves Sente
Dibujo: Grzegorz Rosinski
Editorial. Norma Editorial. Serie en Curso.

Si en la anterior entrada de esta sección hablábamos de la serie El Escorpión y comentábamos la pérdida de interés que suscita, número a número, por culpa de un flojo guión. En el caso de la serie protagonista de hoy deberiamos hablar en términos completamente distintos.
Y es que el cambio de guionista, ha pesar de los miedos iniciales, lejos de matar la serie, la ha rejuvenecido con las nuevas ideas que este aporta, pero sin salirse de la idea con la que Van Hamme ya nos mostraba a Thorgal y más concretamente a Jolan (quien ha ganado el protagonismo de la obra en los últimos números) en una de las series más longevas del comic europeo.
Rosinski, por su parte, sigue dejandonos sus fantásticas viñetas y mostrándonos su constante evolución hacia un dibujo más pictórico.

Información Proporcionada por la Editorial:
Prosigue la educación del joven Jolan, hijo de Thorgal Aegirsson, a manos del gran mago Manthor. Después de superar las pruebas de selección que les impuso el gran mago rojo, ha llegado el momento de cumplir la misión para la que han sido elegidos: conseguir el escudo de Thor en 3 días.

Y para saber más y mejor, aquí os dejo unas reseñas de:
PAblo en El Lector Impaciente.

Lecturas: Durango #2 (Del 4 al 6 de la edición original)

2009-12-16T01:07:00.004+01:00

Edición Original: Durango Nº 4 a 6
Fecha de edición: diciembre de 2009
Guión y Dibujo: Yves Swolfs
Formato: Libro cartoné, 146 págs.
Editorial: Planeta DeAgostini.

Mucho mejor.
Durango nos sigue ofreciendo dosis de acción y emoción a raudales y, además, he de decir que estos tres nuevos números que nos presenta Planeta mejoran en gran medida los tres que nos presentaron en el anterior tomo (del que ya hablé en una entrada, un tanto despistada, por aquí)
Y mejoran gracias a un guión más sólido, posiblemente gracias a que Swolfs toma la acertada decisión de hacer una historia más larga y así poder construir mejores personajes secundarios que se unirán a Durango durante los tres números que engloban este tomo.

El guión, mucho más trabajado, se une al dibujo que nos tiene acostumbrados el belga, del que ya pudimos disfrutar en el anterior número de la serie o en otros trabajos como El Príncipe de la Noche donde nos contaba una historia de vampiros clásica y de la que también hablamos en su momento por aquí.

Un dibujo realista, lleno de detalles, que se suma a unas acertadas composiciones de páginas y una estupenda forma de sobreexponer viñetas, que otorgan a la lectura el ritmo trepidante que esta exige dado los muchos momentos en los que la acción se apodera de ella, para hacer de este tomo una lectura más que aconsejable a pesar de la reducción a la que Planeta ha condenado a esta obra.

En este número, que abarca los tres álbumes conocidos como El Ciclo de Amos, asistimos a ver como Durango llega a Nuevo México huyendo de los cazarrecompensas que, atraídos por la suculenta suma que el gobierno estadounidense promete a quien entregue al pistolero vivo o muerto, no cesaran en ningún momento en el intento de darle caza. Uno de estos será Logan, despiadado, frío e inteligente cazarrecompensas, a quien el autor ha reservado el dudoso honor de convertirse en el antagonista de Durango durante estos tres números.
Igualmente el autor se reserva un Alter ego mexicano de Durango, al que conoceremos con el nombre de Amos Rodríguez, especie de guerrillero a favor de los más pobres campesinos de la región, sin duda, recogiendo el testigo más romántico de Emiliano Zapata. A Amos le acompañan el forzudo y leal Ortega y el mezquino Larenza quien, ya desde un principio, deja muestras de no ser trigo limpio.

Otro de los personajes que nos presenta Swolfs en este tomo es el europeo de enigmático pasado Maximilien von Ruhenberg, a quien el autor aprovecha para dejar alguna pincelada histórica hablándonos de Karl Marx
Así, descubrimos un cartel de personajes secundarios bastante trabajados que aunque algo estereotipados, como era de recibo en los tebeos de aquella, ayudan a hacer de este tomo una lectura muy entretenida y que a pesar de estar aún por debajo de los mejores números de Blueberry o Comanche, se ha acercado a ellos de una manera muy meritoria.

Por lo tanto, si tenéis pensado compraros uno de los dos tomos que hasta ahora ha editado Planeta, no os lo penséis, que sea este sin duda.

Ideas y recursos que me apetece destacar de la obra:

Una de las viñeta preferidas de Swolfs. El sol nos impide ver al pistolero que protagoniza la viñeta.
Varios ejemplos.

El autor nos muestra una larga batalla en 1/4 de página.

Otro ejemplo de la sobreexposición de viñetas de la que hablábamos en esta entrada.

Durango ve la muerte muy cerca. Otro ejemplo de metáfora gráfica.

Karl Marx viaja al lejano oeste en la voz de Maximilien.

Del día a la noche. Del naranja al azul.

Maximilien von Ruhenberg, nos cuenta parte de su enigmático pasado. Curiosamente tiene por apellido en nombre del pueblo donde vive el vampiro protagonista de El Príncipe de la Noche. ¿Tenía ya la idea Swolfs para esta otra serie? o ¿se trata solo de una coincidencia?

Maximilien recuerda su pasado.

Un saludo.

La Visita: Robur.

2009-12-13T23:53:00.002+01:00

Hoy nos visita un nuevo amigo, aquí, en La Caraviñeta.
Robur es uno de últimos amigos que ha empezado a dejar sus acertados comentarios en este blog. Cosa que siempre es de agradecer y más cuando de ellos siempre puedes aprender algo.

Robur no tiene blog, como tantos otros amigos que nos visitan, pero siempre se pueden leer sus comentarios aquí o en otros blogs, creo recordar alguno en Tangencias o en el igualmente imprescindible Lector Impaciente. Aparte, de una forma bimestral, podemos leer sus artículos en la revista Inzona Magazine, bajo el seudónimo de Soiyo N. y que desde aquí os aconsejo el seguimiento de estos.

Con una cervecita de por medio, hablamos de lo mal que se nos da a los dos la lengua gala ( y lo que lo lamentamos), de comics (lógicamente) y de una serie muy longeva en Francia y que aquí no ha tenido una edición correcta (como tantas otras, ha sido publicada por varias editoriales dejándola finalmente en la estacada): Los Casacas Azules.

Antes de que el malsano hábito por el coleccionismo compulsivo se agarrapate en el cerebro de cualquier lector de tebeos, solemos pasar por una fase de relaciones abiertas. Es la etapa en la que los tebeos llegaban a tus manos más por regalos, préstamos y los incentivos paternales a la lectura que por el escaso presupuesto, estresado por los gastos fijos en chucherías y maquinitas, y en la que se hacía difícil seguir series. La infidelidad no era solo por razones económicas sino porque la edición, y sobre todo, distribución de comics en nuestro país siempre hay tenido unas cualidades francamente aleatorias. Todos conocemos varias series de buenos tebeos franco-belgas que nunca fueron publicados en España, pero mucho peor son las series con las que nos tentaron publicando un álbum cada dos o cinco años, que luego desaparecían sin saberse bien si es que la serie había sido cancelada, si tu provincia caía en las negras o las rojas de la ruleta de reparto del distribuidor o si los franceses no habían sacado más números. Años mas tarde, un día, en una librería de segunda mano o una de esas tiendas de pueblo donde los fondos de los 70 siguen amarilleando imperturbables en una esquina del fondo, descubres un álbum de esa colección, y tras comprarlo averiguas que sólo salieron tres números más, por cinco editoriales diferentes, y ahora son únicamente encontrables, a precio de ipod, en una pagina web de coleccionismo, mientras que en Francia la colección va por el número 178.

En mi caso una de esas colecciones que siempre me ha martirizado es Los Casacas Azules (Les tuniques bleus). Entre las colecciones completas de Tintines y Asterix que nos compraban mis padres había también un estante de números sueltos de Oumpah-pah, Alix, El visir Iznogoud, Yakari, Spirou, Lucky Luke y otros, entre los cuales había un número de Los Casacas Azules. El tebeo me gustaba mucho y trate inútilmente de conseguir más. Con la edición de Grijalbo me reencontré con la serie y he tratado de ir rastreando los que me faltan, y aunque nunca he tenido todos los números publicados en España los he podido leer gracias a préstamos. De Los Casacas Azules se publicaron en nuestro país once álbumes.

La Editorial Novaro sacó dos a finales de los 70 bajo el título Los guerreras azules.
-Un carro en el Oeste
-Del Norte al Sur

Y luego Grijalbo en los 90 editó los otros nueve ya como Los Casacas Azules:
-Héroes a la fuerza
-Sin Ley
- Los desertores
-La prisión de Robertsonville
-Los azules en la marina
-Los jinetes del cielo
-La gran patrulla
-Reclutas y veteranos
-Los azules en blanco y negro

Todos esos números corresponden a los primeros once álbumes de la edición francesa, publicados allí en los 70. En Francia la serie continúa con gran éxito, saliendo este año el número 53 Sang bleu chez les Bleus (Sangre azul en los Azules).
La serie la creó Louis Salverius, con los guiones de Raoul Cauvin, para aparecer en la revista Spirou (alguna de esas tiras se llegó a publicar en la revista Guai! de Grijalbo). Mi francés no me permite confirmar esto, pero al parecer la serie pudo ser un encargo para sustituir a Lucky Luke que se había movido de Dupuis y Spirou a Dargaud y Pilote. El concepto de los tebeos reúne muchas de las características de la BD clásica y del propio Lucky Luke: un tebeo de línea clara, de aventuras con toque cómico aunque empezó justo al revés, y situado en uno de los territorios favoritos del tebeo francés: el salvaje oeste. El estilo de dibujo es también clásico de la línea clara, con los personajes más caricaturizados que sus entornos que son más realistas. En los tomos de Novaro, y los recopilatorios como La gran patrulla, Salverius dibuja inicialmente a unos personajes más rechonchos y narizones, incluso con rasgos diferentes, en cuanto pasaron a producirse historias largas el dibujo cambió estilizando algo más a los personajes. Salverius murió en 1972, tras salir los primeros cuatro álbumes, y fue sustituido por Lambil (Willy Lambilotte) acentuándose el cambio hacia un dibujo más realista. Con Lambil los personajes tienen unas dimensiones más alargadas, casi proporcionadas, pero conservan las narizotas y caricaturización en el rostro. Las historias largas además, sin perder un aire cómico, empiezan a tratar temas más serios en cuanto los personajes se ven envueltos en la Guerra de Secesión americana y a contener un significativo trasfondo histórico. En estos 49 números dibujados por Lambil hay una progresión en el estilo tremenda, que sólo se puede intuir en los números publicados en España. Poco a poco Lambil consigue encontrar un punto medio entre la línea clara y un realismo más detallista, incluyendo sombreados y efectos de luz, sin perder las líneas simples, bastante singular. Las historias de Cauvin, por lo general con una estupenda documentación, saben mantener el punto entre comedia y aventura en su justa medida.

Los protagonistas de la serie son dos soldados de caballería del ejército de los Estados Unidos, el pelirrojo sargento Cornelius Chesterfiled y el cabo Blutch que forman una de esas parejas que arquetípicas del tebeo de aventuras francés. Lo curioso en esta serie es que Cauvin se sale de la dinámica del héroe como el straight man con un sidekick cómico, de los que tenemos grandísimos ejemplos en la BD como Haddock, Obelix, Pirluit o Kervin. En Los Casacas Azules es el personaje serio, el valentón bienintencionado pero algo simple sargento Chesterfield, el receptor de muchos de los gags de la serie. Chesterfield es el que mete a la pareja en problemas con sus sueños de gloria y su entusiasmo por cumplir órdenes, incluso las que no se le dan, o sus problemas amorosos. Por el contrario el bajito cabo Blutch, siempre dispuesto a desertar, es cínico e indolente y pone el punto antibelicista a la serie. La diferencia de las personalidades les lleva a chocar a menudo, manteniendo así la dinámica de la pareja en un tono de confrontación, pero entre los dos hay una de esas amistades profundas nacidas de la camaradería que se va cimentando durante la serie.

Es una pena que no se hayan publicado más números de Los Cascas Azules en España. Sin ser una serie magnífica o rompedora contiene todo lo que me atraía de los tebeos cuando era un crio y que aún me sigue atrayendo; es uno de esos tebeos para leer tumbado boca abajo en el suelo de tu cuarto mientras te imaginas como será la vida en el Oeste o a que saben los jabalíes esos que se zampa Obelix. Más aún me apena no saber francés para poder seguirla en su idioma original (merde, alors!), así que a veces, gracias a internet, hojeo alguno de los números franceses y fantaseo pensando que igual es una de esas series que se rescatan en integrales. Supongo que tengo más posibilidades de leerla entera si me pongo a aprender francés pero esto del comic en España es bastante aleatorio así que ¿quién sabe?

Los Casacas Azules. Algunas portadas de Spirou.

Una plancha de La gran patrulla, que aún siendo el número 9 recogía historietas sueltas muy anteriores, donde se puede notar la apariencia inicial de los protagonistas.

Plancha de Los desertores el primero de los tomos dibujado Lambil.

Esta plancha es del último número Sang bleu chez les Bleus (Sangre azul en los Azules).

Plancha en la que se puede apreciar el detalle que pone Lambil en muchas de las escenas panorámicas de combates con muchas figuras.

Mi Expocomic.

2009-12-13T02:54:00.002+01:00

Bueno pues el viernes empezó, y terminó, para mi el Expocomic. Un solo día, si. Me hubiese gustado poder haber ido sábado y domingo pero lamentablemente las obligaciones diarias no me lo permitían.
Aún así el día fue genial.

Llegué a eso de las 11.30 h. después de un vistazo rápido a algunos puestos, me senté a escuchar la charla que daban Pasqual Ferry y Ángel Unzueta sobre “Españoles en el Género Superheroico“. Donde los autores daban muestras de su conocimiento y también de su gran sentido del humor, siendo pues una charla amena y divertida, a la vez que instructiva.

Allí sentada a varios asientos a mi derecha estaba Mar (Entrecomics), enseguida la abordé para saludarla y descubrir lo agradable que es y como, ya desde un primer contacto, te ofrece su confianza.

Más tarde encontré a Tirso Cons (que ya se convirtió en un estupendo anfitrión durante mi estancia en el evento) que estaba junto a kenny Ruiz y nos fuimos a tomar una cerveza que se tornó imposible dado la gente que paraban en el camino a mis dos acompañantes… más adelante, acompañados otra vez de Mar, pudimos mojar algo el gaznate.

Juntos, saboreando una cerveza, fuimos testigos del momento más violento del salón:
Alguien le pidió a una especie de Conan que pululaba por el salón que le dejara hacerle una foto. Este Conan, como es de recibo, puso la mejor de sus poses para la ocasión. El hacha-martillo detrás de uno de sus hombros, la mano izquierda adelantada y una cara de verdadera ferocidad… El fotógrafo ocasional se puso de rodillas para retratar el momento y sin que nadie supiese como, cuando Conan se disponía a envainar su hacha-martillo, esta se le revolvió y salió volando de su mano hasta acertar en la cara del fotógrafo cuando este aún no se había puesto de pie… un “uy!!, lo siento” débil y apesadumbrado, salió de la boca de nuestro Conan, tirando por tierra al personaje que representaba. Tirso no pudo evitar una escandalosa carcajada.

En ese mismo momento pude saludar a Ricardo Esteban, de Dibukks que estaba cerrando algunas negociaciones.

Llegó la hora de irme cuando apareció por allí, Zentner, Pellejero y su encantadora mujer, charlamos un rato y prometimos vernos a la tarde, que volvería yo al recinto después de recoger a mi pequeña del cole.

Ya por la tarde y en compañía de mi niña, volví al palacio de convenciones. Una lástima lo de llegar tarde a la charla que ofrecían Pellejero y Zentner, que seguro fue muy interesante e instructiva.
Por suerte, pude hablar largo y tendido (aunque nunca lo suficiente) con los autores momentos antes de la visita guiada a su exposición de las planchas originales de Malka y asistir a esta visita en la que Tirso Cons tuvo que hacer las veces de presentador espontáneo e incluso de niñero, también espontáneo, ya que se llevó a mi enana a dibujar.

En ese mismo momento, también pude saludar a Canales y intercambiar algunas palabras con él.

Después de esto, esperas en la cola. (imágenes con las que he adornado esta entrada)
Primero en la de Pellejero y Zentner, en la que coincidí con los amigos Eduxavi, (de Trazos en el Bloc, que esperaba para que Pellejero le hiciese un dibujito para nuestro amigo, y también Trazero, Giuseppe) y con S e b a s (de La Estantería de mi Casa) y juntos compartimos unas palabras y un saludo.

Luego en la de Munuera y Bonet, en la que además de recibir el dibujito de rigor, pude felicitarles por el premio a mejor obra y mejor guionista del salón.
Me pareció tan extraordinario como curioso que alguien pidió a Munuera un dibujo de un gaitero y este, lejos de acobardarse por tan extraña petición, en unos momentos cumplió sobradamente con esta y le dedicó un gaitero de “agárrate y no te menees“.

Y por último la de Kenny Ruiz, también un gran tipo, muy majete, que nos dedicó un estupendo dibujo de la pequeña Yuvia, en mi ejemplar de El Cazador de Rayos.

Y así llego a su fin el evento para mi.
Eché de menos a algún amigo con el que había quedado y luego no pudo asistir, como PAblo, Jolan o Yago, pero aún así puedo decir que ha sido el mejor expocomic al que he asistido… gracias, a lo bien que me he sentido acompañado en todo momento.

Un saludo.

El Poder del Detalle.

2009-12-10T06:33:00.004+01:00

Hay un recurso gráfico que consiste en sobrexponer viñetas pequeñas sobre una una más grande o sobre una secuencia de estas para que, entre todas y de un solo vistazo, podamos ver lo que el autor que lo usa nos quiere describir en un tiempo mínimo.

La viñeta o viñetas más grandes nos dará la información más general sobre el acontecimiento que se nos está relatando, mientras, una o más pequeñas, nos ofrecerán detalles de las escena que no conviene pasar por alto o, en su defecto, nos mostrará lo que se está viviendo en otro lugar mientras se lleva a cabo la acción que la de mayor tamaño nos describe.

Con este recurso el autor gana agilidad en la lectura y se asegura que el lector se fije en el detalle que pretende mostrarnos y el resultado es muy conseguido sobretodo en páginas que nos describan acontecimientos que sucedan a mayor rapidez (como una escena de lucha o un tiroteo). Hay una serie de autores que usan este tipo de composición en muchas de sus páginas. Maestros que han conseguido de esta manera contar sus historias saliéndose de la forma más tradicional con un magnífico resultado. Veamos algunos ejemplos de la mano de esos maestros:

Bourgeon.
(Los Compañeros del Crepúsculo, Los Pasajeros del Viento)

Hermann.
(Las Torres de Bois-Maury)

Pellerin.
(El Gavilán)

Swolf.
(El Príncipe de la Noche, Durango)

Cothias y Juillard.
(Las 7 Vidas del Gavilán, Pluma al Viento)

Un saludo.

El Gazapo: Una Caída de Colores.

2009-12-09T02:20:00.002+01:00

Todos sabemos lo mala que puede resultar una caída.
Lo que no sabíamos, hasta que no leemos la segunda parte de Durango recientemente editado por planeta, es que también puede afectar al color de los ojos.
Me explico.

Al comienzo de este nuevo tomo, que incluye tres números de la serie original, una joven y atractiva muchacha se siente irremediablemente atraída por nuestro pistolero. Tanto, que no duda en meterse bajo sus sábanas.

Durango, acepta la invitación sin pensárselo dos veces. Nadie puede resistirse a esos preciosos ojos claros.

La chica escapa de su perverso marido y sigue a nuestro heroe… hasta que en un tiroteo, cae desde una altura considerable golpeándose fuertemente la cabeza.

Tras el duro golpe la muchacha se levanta sangrando y aturdida pero su estado no resulta demasiado grave.
El único problema es que el encontronazo ha hecho que se le caigan las lentillas de colores. Si, entiendo que esto es complicado en aquella época pero ¿Cómo si no os explicáis que a partir de ese momento la joven aparece con los ojos de color marrón?

Fijaos en el cambio.

Un saludo.

La Visita: Jolan.

2009-12-07T00:23:00.000+01:00

Hoy recibimos la visita del amigo Jolan.

A Jolan tengo el placer de conocerle hace bastante tiempo, cuando aún no se me había pasado por la cabeza dedicar un blog a esto de los tebeos, algún tiempo antes de que él se me adelantara en esa tarea y abriera su fantástico (en las dos acepciones de la palabra) Adalides Blog.

He de reconocer que me cayó bien desde el principio, siempre intentando ayudar con sus conocimientos sobre comics a cualquiera que quisiera charlar de ellos. haciéndolo, siempre, desde la humildad que le caracteriza y demostrando lo mucho que disfruta de sus lecturas. Buena gente.
También fue de los primeros que se acercó a La Caraviñeta a dejar un comentario en esas primeras entradas y eso, es siempre de agradecer.

Jolan deja sus extensas y trabajadas entradas en Adalides Blog, un blog que conviene visitar y en el que me gusta destacar el gran trabajo que hace con los monográficos que les dedica a la series Thorgal, Johan y Pirluit o Percevan.
También sus magníficas agendas, alguna que otra entrada dedicada al cine, y alguna que otra, también, dedicada a la literatura fantástica o los juegos.

Un placer recibir amigos como Jolan, con el que hablamos de la serie Usagi Yojimbo de Stan Sakai.

¡Ya iba siendo hora de que atendiese la invitación del amigo Angux! La dichosa falta de tiempo y mi voluntad de no presentarme en esta, su casa, hasta que pudiera dedicarme a reseñar algo que estuviese a la altura del lugar, han postergado durante demasiados meses el momento de mi visita. Además, cuando en su día me comentó que de lo que se trataba era de acudir con una obra bajo el brazo que hubiera supuesto algo importante para cada cual, me impuse la intención de traer una muestra un poco diferente de lo que uno acostumbra hablar: no sé si con el presente artículo logro adentrarme en un tebeo que pueda gozar de un gusto más extendido entre el público que aquellos del género que normalmente me ocupa, pero desde luego sí constituye a título personal uno de esos raros cómics cuya lectura siempre resulta significativamente gratificante.

Usagi Yojimbo (literamente, Conejo Guardaespaldas) es la creación más destacada -desde 1984- del autor estadounidense Stan Sakai y aún hoy día el principal motor de su actividad artística. Pese a la evidente procedencia asiática de su artífice, se trata de un cómic americano (y no de un manga, como a priori pudiera pensarse, ni siquiera en su aspecto gráfico) ambientado, eso sí, en el s. XVII japonés. A lo largo de toda la serie, Sakai ha permanecido como único y completo autor de la misma; meritoria hazaña si tenemos en cuenta la amplísima producción que ha alcanzado. Salvo por su trabajo de rotulación en Groo el errante, de Sergio Aragonés (con quien mantiene una relación amistosa de recíprocos homenajes, quizá consolidada -especulo- por su coincidencia en Dark Horse) no es que Sakai se haya prodigado con una variedad excesiva en el ámbito del tebeo. Curiosamente, no hace muchos años le tuvimos en el Expocómic de Madrid (lástima que por aquel momento yo no conociera aún su Usagi).

Stan Sakai con Sergio Aragonés (¡y con Usagi, claro!)

Esta magnífica serie nos relata las andanzas del conejo Miyamoto Usagi, un ronin (samurái sin señor) que vaga por los caminos del país desde que los acontecimientos de la batalla de Adachigahara le convirtieron en un guerrero sin amo al que servir. En los múltiples tomos de la colección se nos narra paulatinamente su vida a saltos temporales sin un orden concreto: su infancia en la aldea de la que su padre era magistrado, la rivalidad desde la niñez con su 'amigo' Kenichi, su adiestramiento con el maestro Katsuichi y su posterior integración al cuerpo protector del señor Mifune. Cuando este último cae en desgracia, Usagi jura vengarse, en aras de una indoblegable lealtad, del que a partir de entonces será su encarnizado enemigo: el señor Hikiji, siempre metido en maquinaciones para derrocar a sus opositores y alcanzar el poder del shogun. Y para un samurái (y más si es alguien como Usagi, de una templanza y honradez envidiables) un juramento es siempre sagrado. Tal vez sea porque la venganza se sirve en plato frío, pero lo cierto es que el voluntario devenir errante del conejo no está centrado en una empresa desesperada por acabar con su enemigo, sino que es en su eterno deambular cuando, casi por azar, surgen entuertos en los que su ayuda a los más débiles es siempre decisiva y en varias ocasiones parece estar implicado el odioso Hikiji. Cuando esto sucede, se le brinda la ocasión de asestar al malvado aristócrata otro golpe contra sus designios, aunque las más de las veces consiste en una nueva actuación que pasa a formar parte del conjunto de experiencias en la senda de crecimiento espiritual y de aprendizaje interior por la que ha decidido regir sus días.

Entretanto, el sereno personaje recorre un medievo nipón deliciosamente descrito, parando en fondas, templos, aldeas, ciudades y parajes de todo tipo donde algún encuentro casual es la ocasión perfecta de demostrar sus habilidades, ya sean estas de negociación (siempre la primera vía a elegir por Usagi) o mediante la espada. Claro que en todos esos avatares no va a verse solo, porque si complejo es el protagonista de tan brillantes aventuras que desarrolla Sakai en esta serie imprescindible, no menos lo son sus acompañantes momentáneos, que unas veces se quedan durante un buen periodo en su compañía y otras apenas se cruzan en su camino por unos fugaces instantes. Así, dejan una huella imborrable en el lector personajes como el cazarrecompensas Gennosuké (Gen), leal y afable, pero más preocupado por sacar tajada de cualquier situación que del sentido del honor que caracteriza a su amigo Usagi. También Tomoe-Ame, la valiente y servicial escolta del señor Noriyuki y una espada cómplice para Usagi. Pero igualmente otros muchos: la mortal espadachín Inazuma, el recto sacerdote Sanshobo, la ladrona Kitsune, el samurái ciego Zato-Ino, el demente guerrero Jei e incluso el pequeño Jotaro, hijo de Mariko, su amor de juventud. Hasta los escurridizos lagartos tokagé, producto de la pasión del autor por dibujar dinosaurios, aparecen constantemente de rondón en unas y otras escenas para amenizar las aventuras de este variado elenco (el propio Usagi llegará a contar con uno como mascota).

Si bien el plan inicial de Stan Sakai iba enfocado a diseñar una historia con personajes humanos reales (basada en el también ronin Miyamoto Musashi), está claro que la idea pronto viró hacia la -actualmente común- moda de utilizar animales antropomorfizados, uno de cuyos máximos exponentes hoy día es justo este simpático conejo de largas orejas y atuendo guerrero. Aunque no soy en absoluto contrario a esta técnica (prueba de ello es mi devoción por otros comics que le guardan un cierto paralelismo, como el Orn de Quim Bou, claramente deudor de esta serie) quizá tuve mis recelos cuando me recomendaron por primera vez a Usagi. Pero resulta que, bajo un dibujo no muy llamativo, casi infantil de un vistazo rápido, y una temática que, de entrada, no me interesaba especialmente (por no mencionar lo abrumador de tanto volumen publicado), encontré una obra de guión excepcional, capaz de enganchar en sólo un puñado de páginas; con un estilo gráfico que, más allá de su aparente simpleza, esconde una tremenda habilidad narrativa. Y, por si fuera poco, documentada con un gusto exquisito. Porque en esa composición argumental que tan bien le funciona, Sakai consigue hacer que -sean cuales sean los gustos y la edad del lector- nos interese lo que nos cuenta, sumergiéndonos inconscientemente en las historias y mitología del antiguo Japón (el volumen 'Segadora', premiado con el Eisner, es un ejemplo perfecto), ora empleando personajes tomados en parte de la realidad y hechos verídicos, ora haciendo uso de un lirismo poético que nos acerca a escenas inolvidables, como aquellas que se dedican a la creación de las clásicas cometas japonesas, a la fabricación de letales katanas o al proceso de recogida y preparación de algas marinas en un sencillo poblado, por citar unas cuantas. Asimismo, para apoyar la ambientación de sus relatos, no vacila en incluir una buena cantidad de vocablos en su japonés original (convenientemente traducidos a pie de página) que, lejos de entorpecer la lectura, aportan más credibilidad a la historia y ayudan a meterse en la misma con toda comodidad.

Otro recurso que define este cómic en el plano contextual es una nota invariable de belicosidad (contraria realmente a la naturaleza pacifista de Usagi) que, en cambio, se suele manifestar la mayoría de las veces en forma de violencia no explícita. Quiero decir que a pesar de que las luchas suponen una constante (mucho más frecuentes son los capítulos en los que aparecen mamporros que en los que no los hay) rara vez estas muestran una crudeza abierta. Más bien, esas viñetas habituales de enfrentamientos, toda una lección de artes marciales (propias, por otra parte, de una serie que no deja de ser de aventuras y acción en buena medida) deparan en un batiburrillo de cuerpos que reciben palos y estocadas por doquier -a menudo mortales, sí- pero que se limitan a un deceso casi cómico de los vencidos, normalmente los malos, claro. Quizá en esto ayude esa personificación por medio de animales antropomórficos, que pueda restar seriedad a una escena que concluirá en derramamiento de sangre. Por cierto, que Sakai ha reconocido no servirse de los animales para instituir conductas, aun cuando muchas de las especies hostiles y nocturnas que aparecen (murciélagos, topos, serpientes, etc.) ocupan el papel de indiscutibles antagonistas. Curioso también que el malo entre los malos, Hikiji, sea para nuestra sorpresa el único personaje representado totalmente bajo apariencia humana (¿el hombre como la peor de las alimañas..?)
La disposición del orden de lectura en la gran aventura que representa el peregrinaje de Usagi Yojimbo es un instrumento manejado de forma muy inteligente y que, entre otras ventajas, ha asegurado la fórmula del éxito comercial de la serie. Esto se debe a que todo el conjunto de historietas que la componen, algunas muy breves, otras formando arcos más prolongados, no precisan de un hilo conductor necesario para llegar hasta ellas: Sakai se las ingenia, él solito y mediante un esquema de revisión y reescritura no redundante, para hacer que cualquier nuevo lector de Usagi pueda elegir uno de sus tomos al azar y no sentirse en absoluto perdido. A mi me parece de quitarse el sombrero, si tenemos en cuenta que estamos hablando de una colección con veintitantos volúmenes en el mercado. Por supuesto, existe un orden cronológico recomendable sobre alguno de ellos (por ejemplo, yo no incitaría a leer ‘Segadora’ sin haber pasado antes por un par de historias que te pongan en antecedentes sobre ciertos personajes, aunque sea perfectamente posible hacerlo y disfrutar de igual manera) pero la magia se halla precisamente en que la densidad de la obra no es óbice para estrenarte en su lectura, al no tener que darle demasiadas vueltas en cuanto a tal o cual volumen por el que decantarse la primera vez. Para muestra, un botón: yo empecé por el tomo 'Al filo de la vida y de la muerte', que ocupa el décimo lugar atendiendo a su fecha de publicación. Seguramente por este motivo, Planeta deAgostini (la encargada de hacer llegar Usagi a nuestras librerías) no se ha molestado en aplicar una numeración precisa, algo que de primeras puede parecer muy chocante. Por fortuna, todos los años nos trae puntualmente alguna nueva entrega en un agradable formato al que no se pueden poner pegas.

Portadas españolas de ‘Al filo de la vida y de la muerte’ y ‘Segadora’

Con todo lo dicho y coincidiendo la crítica en resaltar nada más que halagos de esta serie, Usagi es conocido por el público más de oídas o de haberse topado de forma casual con alguna de sus entregas en la tienda, que de haberse dejado tentar por su lectura. Sin duda, parece más una obra de autor (prueba de ello es que con frecuencia viene prologado por grandes nombres del 9º arte, como Kurt Busiek, Jeff Smith o el mismísimo Will Eisner, entre otros) que destinada a liderar las listas de ventas. Y eso que a su difusión ha podido contribuir el cameo del personaje en la teleserie de animación de las -en su día- populares Tortugas Ninja, que a su vez aparecieron en el tercer número del conejo samurái. O la evidente inspiración en el conocido manga El Lobo Solitario y su Cachorro (el tomo ‘Cabra Solitaria y su Hijo’ es un guiño al mismo) y en el cine de Kurosawa. Argumentos, para muchos, más que convincentes.

¿Cuál es el destino de Usagi? Confiando en que Stan Sakai tendrá más que definidas las pautas para la continuidad de esta sobresaliente epopeya, seguro que en todo momento le irá bien hasta que decida darle un digno final. Al menos por ahora la suerte está de su lado, tras una agitada trayectoria editorial que le llevó de iniciar su andadura en Fantagraphics, pasando por Mirage (1991) hasta ir a parar a Dark Horse (1994). En el transcurso hay que señalar la salida del tomo unitario ‘Space Usagi’ (una vuelta de tuerca en un marco futurista, publicado también por Planeta) y algunos especiales en color que lamentablemente no hemos llegado a ver por aquí. Para no dejar de estar informados, os recomiendo revisar la web oficial de Usagi Yojimbo, que además está de celebración por los 25 años que ha cumplido el personaje.

¡Un buen brindis de saké a la salud de Usagi y del anfitrión Angux!

Lecturas: El Sueño de Meteor Slim.

2009-12-06T02:14:00.003+01:00

Edición original: Le Rêve de Meteor Slim
Fecha de edición: Noviembre de 2009
Guión y Dibujo: Frantz Duchazeau
Formato: Libro, 160 págs. Blanco y Negro.
Editorial: Ponent Mon.

Hace tiempo podíamos leer por aquí, como la editorial Ponet Mon hacía una petición de ayuda (no falta de polémica) a los lectores de comics para poder seguir editando material pues, como ya se sabe, pasamos por malos tiempos también para la industria del tebeo.
No seré yo quien desde aquí valore tal acción ya que, sinceramente, tengo opiniones enfrentadas que no me permiten posicionarme en uno u otro lado con absoluta claridad.
Lo que si se puede decir es que dentro de su catálogo hay verdaderas joyas para cualquier comicteca que se precie e igualmente podemos asegurar que si en algo destaca la editorial es en lo arriesgado de este.
Aunque, llevando la contraria al refrán aquel, no siempre el que arriesga gana.

El comic del que hoy tratamos, a pesar de que el autor ya es conocido por estos lares gracias a su dibujo en el título Los Cinco Narradores de Bagdag, no deja de ser una apuesta arriesgada.
Y lo es por la historia que nos cuenta, o mejor dicho, por como nos la cuenta. Duchazeau nos cuenta la historia de una forma lenta, tranquila, dejando que sea el lector, en muchos casos, el que se deje llevar por el sonido de las viñetas y, en varias ocasiones, llenando páginas enteras de viñetas sin texto, validas para conocer el lugar y las costumbres de donde se desarrolla la acción.
Y lo es por su dibujo, las fantasmales caras de sus personajes se mezclan con el paisaje, en ocasiones más elaborado en otras menos, donde la tinta ensucia el dibujo como el polvo ensucia el camino que sigue el protagonista, como el humo mancha el ambiente de los bares donde Meteor tocará alguna canción y se llevará más de un zapatazo, como se va ensuciando su vida, y logra dar un aspecto de foto antigua, muy en consecuencia con la historia que se nos cuenta situada en la América de los años 30.

¿En alguna ocasión habéis pensado dejarlo todo para intentar hacer realidad vuestros sueños? ¿Comenzar de cero una nueva vida donde el único que gobierne tus pasos sea el intento de llegar a hacer realidad ese sueño? ¿cambiar quien eres por quien quieres ser? Es fácil de que así haya sido y fácil también que os lo hayáis pensado mejor y, al final, nada hayáis hecho. Al fin y al cabo, en momentos, hace falta ser muy egoísta para si quiera intentarlo.
Eddie Cochran, sin embargo, así lo hace. Se “escapa” de una vida que no quiere para ir en busca de la vida que anhela e intentar convertirse en una leyenda del blues, cuando este podía ofrecerte fama, dinero, reconocimiento, chicas y alcohol. Convertirse en Meteor Slim.

Se escapa de su mediocridad, dejando atrás a su mujer y al hijo que juntos estaban esperando, pero nadie ha dicho que este camino fuera fácil y Meteor, vivirá en sus propias carnes los engaños y las decepciones mientras trata de que su voz se haga un hueco en los bares y deje de estar a la sombra de la de Robert Johnson, bluesman de moda y, que acompañará a nuestro personaje en buena parte del camino.
Meteor Slim es una historia triste, como un blues, de alguien que intenta hacer realidad sus sueños y aprende y se acostumbra a vivir de los pequeños éxitos y el fracaso, a subir dos escalones `para más tarde bajar tres, a la cal y la arena.
El Blues, siempre asociado a la tristeza, acompaña al personaje en cada uno de sus pasos, en cada viñeta del comic, al principio de una forma autoimpuesta, para más tarde ir llenándolo del todo.

Ponent Mon vuelve a arriesgar en la edición de esta obra. Esta vez debido a la reducción de tamaño en comparación con el original. Una pena el fallo en el lomo del comic donde en lugar de “sueño” han escrito “seuño”
He disfrutado de su lectura, si. Y sin embargo, es este, un tebeo que es arriesgado recomendar…

Ideas y recursos que me apetece destacar de la obra:

Eddie Cochran se imagina como un Meteor Slim triunfante.

Aunque se trate de una historia ficticia, y Meteor Slim un personaje inventado, son varios los Bluesmen, leyendas reales, que aparecen por las páginas de la obra:

Big Bill Broonzy

Jhonny Shines

Bo Carver

O uno de los principales personajes secundarios, Robert Johnson. Gracias a la imaginación del autor podemos presenciar como se hizo una de las dos únicas fotos que existen de él.

O "escuchar" algunos de sus exitos. En este caso Kind Hearted Woman.

Las típicas estrellas, señal de dolor y la espiral encima de la cabeza, señal de aturdimiento.

Los abucheos del público.

Algo le quita el sueño a Eddie Cochran.

Meteor Slim llora al ver a su hijo.

Un saludo.

Otros comentarios a esta obra:

Xavier en Coses de L'utrescu.
Álvaro Pons en La Carcel de Papel.

Localización de Escenarios: Vísperas Sicilianas de Bois-Maury.

2009-12-03T00:18:00.004+01:00

A nadie voy a sorprender si digo que Las Torres de Bois-Maury es, a mi gusto, una de las mejores series de comic histórico que he podido leer. Y lo es por varias razones en las que no puedo dejar de destacar el dibujo de Hermann, y su forma de entender el comic muy cercano al cine, siempre en constante búsqueda de fabulosos escenarios y planos, haciendo de cada título un gusto para la vista, pero hay más…
Hermann hace de sus Torres una serie con un principio y un final, todo perfectamente orquestado y dando un resultado de una obra redonda donde no sobra ni falta nada. Quedando todo perfectamente cuadrado.
Un principio y un final, si. Y sin embargo Hermann, tuvo una fantástica idea para poder dar continuidad a la serie sin que esta se sintiese afectada por el estiramiento a la que su autor la iba a someter. Y, sin embargo, los nuevos números resultan igual de frescos y atractivos logrando, el belga, la difícil tarea de que los nuevos álbunes susciten el mismo interés que los anteriores.
Utilizando como serie padre los números de la ya finalizada Las Torres de Bois-Maury, Hermann, nos cuenta la historia de los descendientes del Sr. Aimar, protagonista principal de dicha serie, y nos hace viajar en el tiempo y nos cambia de lugar, siguiendo el linaje de tan valeroso y obstinado personaje.

Los nuevos capítulos serán todos de carácter autoconclusivos y en cada uno de ellos se nos relatará la vida de un descendiente de Aimar de Bois-Maury. Dando en cada uno de ellos, al igual que en la serie principal, una clase de documentación que pasa desde las ropas de los personajes, hábitos, y forma de comportarse muy en consecuencia con la época histórica a la que, Hermann, nos retrotrae.

Así, aprovechando la noticia de que Norma Editorial publicará en el próximo año el que será el número 14 de esta serie (tercero de ellos que contará con los guiones de su hijo, Ives H.) Dedicaré una entrada en esta sección a cada uno de los tres números autoconclusivos de la serie editados hasta el momento y que llevan el sobretítulo de Bois-Maury, esta vez, sin que Las Torres lo adornen.

En este primer título, número once de la serie y que lleva por título Assunta, Hermann nos hace viajar hasta Sicilia y nos muestra como se desencadenaron los acontecimientos que llevaron a la isla a quitarse de encima el dominio de Carlos I de Anjou en 1282, siendo sustituido este por el de la Corona de Aragón, gracias a la sublevación popular en lo que la historia a querido que se conozca como Las Vísperas Sicilianas.

Un saludo.

La Visita: Eduard Torrents.

2009-11-30T03:03:00.000+01:00

No siempre tienes la suerte de recibir la visita de quien acaba de presentar su primer comic.
Nosotros, si tenemos esa suerte. Hoy recibimos en La Caraviñeta a Eduard Torrens, quien acaba de hacer la presentación de su obra Ramon Llull. La Controvèrsia Jueva, de la que podéis ver algunas imágenes si seguís este enlace.

En su blog, La Pota de Cabra, podemos seguir el “como se hizo” de algunas de sus páginas, conocer algo más al autor, ver sus anteriores proyectos (que esperemos que algún día retome) o vigilar de cerca sus próximas obras.
Desde aquí me gustaría desearle suerte para esta obra, así como para las próximas en las que se embarque. Sin duda se lo merece.

Eduard, me consta, que es un gran tipo con el que es fácil charlar, más si, como es el caso, nos une ese amor por las viñetas. Hablamos de varios autores, de la nueva BD, de Peertes, por supuesto de su Ramon Llull, de otros comics de carácter histórico y de una de sus obras preferidas:

LAS OLIVAS NEGRAS

Joann Sfar, Emmanuel Guibert

Ediciones Kraken

De entre todos los posibles cómics sobre los que hacer una reseña, ¿por qué elijo Las Olivas Negras? La razón es simple, es uno de los cómics que no me canso de leer. Para mí, ese es un baremo muy importante a la hora de decidir si un cómic vale la pena o no: el número de veces que he vuelto a releerlo. Si al releerlo me he vuelto a implicar en la historia, he vuelto a disfrutar del dibujo, he descubierto cosas nuevas, el cómic vale la pena. Y Las Olivas Negras lo debo haber leído diez veces.

Y es que en este cómic se reúnen Sfar y Guibert, dos talentos únicos, dos genios tanto a nivel de historia como a nivel de dibujo, que crean una obra personalísima y, a mi entender, de las más bellas y complejas que se han publicado últimamente.

Con Sfar siempre me sucede lo mismo, parece muy sencillo lo que hace. La premisa argumental es simple: Un pastor judío acude con su hijo al templo de Jerusalén a sacrificar un cordero al Eterno. Pero claro, luego la historia se complica y empiezan a suceder cosas: El pastor se niega a pagar los diezmos del templo y se organiza una revuelta entre los judíos, que están hartos de pagar a los sacerdotes que después se lo dan a los romanos. Las represalias por parte de estos no se harán esperar, y aquí entran en juego los otros dos protagonistas, Camulos y Cotus, dos soldados romanos que no están hechos para la armada, y que desertarán para pasar a formar parte de la resistencia judía. Y todo eso (y mucho más) en solo las primeras páginas. Aún le quedarán otras tantas en el primer volumen, y otros dos cómics más para hacer crecer la historia y los personajes. ¡Y el ritmo no flojea!

Además, con Sfar nunca sabes adónde te llevará la historia, él es un escritor que no juega con las convenciones habituales, inicio, nudo, desenlace; antes bien se apodera de los personajes y hace evolucionar la narración de forma natural hacia nuevas situaciones, de la mano de unos diálogos siempre sorprendentes (cuando no emotivos, y cuando no hilarantes), que consiguen que nunca sepas qué esperarte y, de esta forma, sigas leyendo deleitado, con la ilusión de encontrarte con algo que es nuevo: una historia original y no otra variación más de las mismas historias que ya has leído tantas veces.

Así no es de extrañar que, tras esta premisa argumental, nos encontremos con escenas en las que los personajes hablan sobre cosas tan variadas como la mejor manera de ser infiel sin que te descubran, la cocina kosher en tiempos de los romanos, los preceptos de la Torá o la sucia forma de pelear que tienen los judíos de las montañas. Y todo eso en un contexto de revueltas y colonización romana, que seguro acabará siendo de fatales consecuencias para los personajes. Y es que este es otro de los mayores aciertos de Sfar, mezcla como nadie la comedia con la tragedia (no avanzo más para no chafar la lectura).

Respecto al dibujo, decir que Emmanuel Guibert me parece un coloso. Un talento natural para el dibujo que en vez de ahondar en su grandeza con impactantes viñetas, apuesta por la contención y la legibilidad de sus páginas. Un tío capaz de dibujarlo todo con una naturalidad pasmosa. Solo hay que ver alguno de los dibujos que acompañan esta reseña para daros cuenta de la delicadeza de los gestos de cada uno de los personajes, de cómo se apoyan en el suelo, de la manera en que ponen las manos, del peso que sienten los personajes. Un maestro en la economía del trazo, en dibujar lo justo y necesario para que la viñeta se comprenda, pero también en la elección del encuadre.

Para este cómic Guibert decidió utilizar un estilo limpio, con plumilla, que no escondiese su trazo, para así diferenciarse de sus obras anteriores (La guerra de Alan, El Capitán escarlata y La hija de profesor, en las que utilizaba tintas aguadas). El resultado es una línea clara naturalista, muy elegante, a medio camino entre Hergé y el realismo, pero con una impronta personal muy marcada.

Este cómic también se caracteriza por la paginación fija de seis viñetas por página que decidieron utilizar los autores. El efecto es interesante. Por un lado parece que este recurso le resta espectacularidad a las páginas, y además, al decidirse por esta paginación, los autores conscientemente limitaron sus posibilidades narrativas (trucos como utilizar viñetas grandes para momentos espectaculares, pequeñas para transiciones, viñetas horizontales o verticales en función de la acción, etc.). Sin embargo el cómic no se resiente en absoluto, se diría que es incluso más fácil de leer, la lectura es más directa, más sencilla, pues no hay que “decodificar” el lenguaje del cómic (estos truquitos a los que antes hacía mención).

Sfar ya había utilizado esta paginación en obras anteriores, ya fuera con sus propios dibujos (como en El gato del rabino) o con sus colaboraciones con otros autores (se me ocurre Sócrates el semi-perro, con Blain), pero siempre con estilos de dibujo más caricaturescos, menos naturalistas que los de Guibert. Con éste el resultado es diferente pues realmente nos da la impresión de estar asistiendo a una función de teatro, o pensándolo mejor, a la proyección de una película en una pequeña sala de cine.

De momento los autores han publicado tres volúmenes de Las Olivas negras: ¿Por qué esta noche es diferente de otras noches?, Adán Harishon y No comerás el cabrito en la leche de su madre. El cuarto tal vez tarde un poco, pues Sfar ha declarado que tal como está el mundo, de momento no se siente anímicamente preparado para encararlo (el dramático final del tercer volumen nos recuerda mucho a la actual situación en Palestina).

¿Qué más puedo deciros? Que lo probéis, que el hecho de abrir estos cómics y ver esas seis viñetas por página no os eche para atrás, porque valen la pena y seguro que pasaréis un buen rato (¡garantizado!).

Dos ejemplos de Sfar en estado puro:

El niño se pierde entre la masa enfervorecida, ante el desespero del padre. Observad la cuidadosa elección de planos que plantea Guibert para explicar la acción:

Ejemplos de cómo Sfar resuelve las conversaciones en diferentes idiomas:

Ejemplos de la economía de trazo de Guibert:

Ejemplo del efectivo uso de la perspectiva para la narración:

Para Camulos y Cotus, Guibert toma como modelos a sus amigos de la nouvelle BD Sfar y Blain. El filósofo agitador Yeshayahu es Lewis Trondheim.

La Gran Página: El Escopión # 8. La Sombra del Ángel.

2009-11-28T09:20:00.005+01:00

Guión: Desberg.
Dibujo Marini.
Editorial: Norma Editorial. Serie en Curso.

Rescato esta página del número 8 de la serie de Desberg y Marinni: El Escorpión.
En ella podemos apreciar el fantástico trabajo de Marini a los dibujos, un trabajo que se ve poco acompañado por una guión que se ahoga en el “más de lo mismo” que nos ofrece esta serie, entrega por entrega, desde hace ya unos números.
Y es una lástima por que la idea inicial era buena y, pienso, se podrían haber hecho cosas interesantes con ella más allá de maravillarnos en cada nuevo título con el dibujo del italo-suizo. Sirva esta página como muestra, aunque bien podría haber subido cualquier otra. Con un Marini que nos deja con la boca abierta y a quien le gusta mostrarse con las viñetas de un cuarto de página.
En fin, obra muy recomendable para quien quiera disfrutar de lo lindo de los dibujos de Marini…. (pero solo eso)

Información proporcionada por la editorial:
Viejos asuntos pendientes vuelven para atormentar al Escorpión. Su sed de venganza contra el papa Trebaldi no cesa de crecer y poco a poco, su causa va ganando adeptos. Pero… ¿le seguirán todos o es una trampa?

Y para saber más y mejor, aquí os dejo unas reseñas de:
Blueberry en Fort Navajo.

Un saludo.

Blain Ex-Libris y Algo Más.

2009-11-27T06:31:00.001+01:00

La Secuencia: Supermanes y Mortadelos.

2009-11-25T00:40:00.002+01:00

Es curioso. Después de ver esta secuencia de viñetas del comic No te Olvides de Recordar de Peter Kuper, me veo más cercano a los USA que a la Europa a la que se supone que pertenecemos.
Y es que esto que nos cuenta el autor (con cierto ombliguismo) en su página, bien podría (aún hoy y a pesar de que poco a poco, muy poco a poco, vamos rompiendo barreras) aplicarse al sentimiento que de los comics hay por estos lares.
Tan solo habría que cambiar Garfield por Mortadelo ( y ojo! que yo tampoco tengo nada en contra de Batman, Superman, Mortadelo y ni tan si quiera de Garfield con el que Peter no se excusa ¿?) y tendríamos el pensamiento del Español medio... medio idiota, claro.

Por fortuna, esto parece estar cambiando... muy poco a poco...

Un saludo

La Visita: Munuera.

2009-11-23T01:32:00.004+01:00

Hoy recibimos una visita en La Caraviñeta.
¿Qué? ¿Que no conocéis a nuestro visitante?
Vale, ¿Os dice algo Navis, Spirou, El Juego de la Luna…? Pues eso, hoy nos visita J.L. Munuera.

¿Que aún no sabéis de quien hablo? No me lo puedo creer, seguro que estáis de coña.
Pasaros por Entrecomics, que le hicieron una estupenda entrevista (no falta de polémica, que Munuera es de los que dicen lo que piensa) hace algún tiempo, o por su espectacular galería del imprescindible foro Art Box, o por la página dedicada a su último trabajo editado por aquí (que por cierto está nominado a los premios del Expocomic en las categorías de: Mejor obra, Mejor dibujante y Mejor guión y que podéis votar aquí).
Munuera es un tipo agradable, con el que se puede hablar de comics (y de más cosas, no os creáis) y aprender de lo mucho que sabe sobre su trabajo. Siempre dispuesto a dejar una chispa de humor en cada uno de sus comentarios.
Esta vez, mientras nos tomamos una cervecita, nos cuenta parte de sus inicios y como influyeron en él la Historia de los Comics de Toutain.
Una suerte de anécdota.

SEÑORES SENTADOS.
Yo no se si para los chicos de ahora será una cosa parecida con internet, pero para el crío que yo era, la entrada al Paraíso (o al mismo infierno: abandoné toda esperanza al entrar), fue la Historia de los Cómics de Toutain.

Se le pueden poner muchísimas pegas a aquel esfuerzo: que por descontado no era completa, que era parcial en sus juicios, que el estilo de Coma era más cansino aún que el mío (sería materia de estudio contabilizar los "a la sazón" incluidos en el texto), etc, pero tenía grandísimas virtudes, a saber, que agrupaba en una obra todo un universo que a mí hasta entonces me era desconocido, que era muy visual -como creo yo que corresponde al tema- y que despertaba sed de más tebeos.

Pero había una cosa que a mí me fascinaba especialmente: las fotos de señores sentados.
Tuvieron el acierto inmenso de incluir en "destacados" fragmentos de entrevistas, memorias y escritos de algunos autores de tebeos, ilustrados con una foto del menda en cuestión.
Más allá de las anécdotas relatadas ,algunas jugosísimas, las fotos fueron para mí una revelación: había personas que hacían tebeos, normales y corrientes, tranquilamente sentados frente a su mesa de trabajo. Era un oficio.
Ahí estaba George Mcmanus, gordo como una peonza, pipa en la boca, banderita americana en la pared, chaleco y reloj de bolsillo, charlando desde su mesa con su ayudante, muy relajados ambos. Estos dos no trabajaban, ¡se divertían!
Dick Moores, el autor que dedicó literalmente su vida a "Gasoline Alley", viejo como mi abuelo, dibujando una enorme tira con sus personajes. Las gafas apoyadas sobre la mesa, junto a un trapo para limpiar pinceles y un rollo de papel que prometía cientos de tiras en el futuro. Caótico montón de papelotes junto a la mesa ¿era ese el sitio de trabajo de un octogenario?¡ Coño, si estaba tan desordenado como mi habitación!

Alex Raymond haciendo el ganso tras su tablero; su ayudante posando muy en su papel escuchando música, las paredes llenas de recortes...

¡Y Carl Barks! Sobre la mesa, un Porky Pig a lápiz, y él, que parecía el abuelo por excelencia, tan contento, mirando a cámara. ¡Se puede dibujar tebeos toda la puta vida! ¿No es genial?
Aquellas fotos generaban una energía magnífica y destilaban una información que para mí fue muy importante: hacer tebeos parecía una ocupación bien simpática, que podía uno hacer desde su propio, desordenado, cuarto, en solitario o con amigos, prolongando la adolescencia hasta la vejez. Un trabajo tan serio, o tan poco serio, como cualquier otro.
Un trabajo que yo quería hacer, con la esperanza de convertirme en uno de esos viejecitos tranquilos frente a sus mesas de dibujo.
Con la esperanza de convertirme en un Señor Sentado.

Varias páginas:

Munuera. Todo un Señor Sentado (en este caso junto a Bonet, firmando un ejemplar de El Juego de la Luna)

Gracias a Emilio por las imágenes de las páginas de Historia de los Comics de Toutain que adornan esta entrada.

La Metáfora Gráfica.

2009-11-20T00:03:00.008+01:00

Sin duda es una obviedad decir que el mercado de la historieta es uno de los mercados de ocio que está experimentando un mayor crecimiento en los últimos años.
Gracias, principalmente a la propia dignidad del medio (una dignidad eternamente cuestionada a pesar de sus más de 200 años de historia), a que por fin la etiqueta “infantil” parece estar desapareciendo de la creencia colectiva, a un justo Premio Nacional del Cómic que equipara esta a otras artes, a la proliferación de artículos y revistas, tanto especializadas, como dedicadas a la literatura o revistas culturales, así como la inclusión de críticos de historieta en la sección cultural de muchos (cada vez más) periódicos editados por toda nuestra geografía, , y por último, y no por ello menos importante, las declaraciones de artistas de renombre que desde otros géneros artísticos apoyan al cómic como forma de expresión y arte.

Una de las razones más fundamentales a mi juicio, a parte de las ya mencionadas, podría ser el giro que ha dado la historieta en las dos últimas décadas hacia unas historias más profundas, adultas si me lo permitís, basándose principalmente en los sentimientos e incluso la crítica social como hilo conductor de la narración: La llamada novela gráfica.
Lo que empezó siendo una etiqueta puramente comercial se ha ido convirtiendo, con el tiempo, en un tipo de formato donde tienen cabida la mayor parte de los géneros, aunque en su mayor parte se editen con esta etiqueta los títulos con un carácter más sentimental o social.
La novela gráfica ha acercado el comic a la literatura desde varios puntos de vista.
Quizás uno de los mayores aciertos sea el hecho de que la historia empiece y acabe en una misma lectura, una misma publicación, saltándose la espera propia del cómic entre un número y otro hasta llegar aun desenlace. Ha esto se podría añadir la publicación de estos en “formato libro” como el desencadenante que ha conseguido la cada vez más normalizada incorporación de una sección dedicada a los tebeos en las macrotiendas más conocidas.

Dentro de este formato se ha editado abundante material de títulos autobiográficos o con una fuerte carga sentimental donde los autores con un dibujo más diligente y sencillo nos enseñan sus entrañas, sus emociones, miedos y sueños. Unas historias con las que el lector empatiza fácilmente y que es, precisamente, donde más claramente podemos encontrar el recurso del que pretendo hablar hoy. Un recurso, hasta ahora, pocas veces utilizado fuera de los sueños o pensamientos del protagonista del tebeo.

La metáfora es un recurso literario muy utilizado en el que a base de una comparación, generalmente exagerada, se busca una más fácil comprensión del texto por parte del lector a parte de conseguir un tono más poético para la frase en la que está utilizada.
De un tiempo a esta parte han aparecido genios historietitas que utilizan este recurso con maestría trasladándolo al apartado gráfico de los que, si os parece bien, podemos ver algunos ejemplos:

Uno de los primeros comics donde pude apreciar este recurso fue en la obra Sarajevo-Tango de mi admiradísimo Hermann. En este comic, el belga, aprovecha este recurso para ridiculizar la guerra de la antigua Yugoslavia y la pasividad de los líderes europeos a los que en no pocas ocasiones los muestra bailando un Tango (de ahí el título) como si poco les importara lo que ocurre a su alrededor mientras, cerca, siguen lloviendo bombas sobre las cabezas de ex-yugoslavos.

Otros ejemplos de este recurso en la misma historieta nos muestra un dedo acusador en los cielos de Sarajevo que señala fortuitamente la próxima persona a la que la guerra dará muerte.

Una viñeta en la que compara a los guerreros en la Sarajevo actual con los de una de sus mejores series: Las Torres de Bois - maury. Dando a entender que el salvajismo de la guerra no entiende de épocas históricas.

Aún hay más como en la que nos presenta a una familia europea, también próxima a la zona del conflicto, donde se nos muestra que sus banales preocupaciones nada tienen que ver con la guerra que se está librando cerca de ellos debido principalmente a la escasa información y a la mucha desinformación que dan los noticieros televisivos de la matanza en la antigua Yugoslavia.

Seguimos con los conflictos bélicos como fondo, aunque esta vez en la Ruanda sangrienta de los Hutus y los Tutsis. En ella es donde Stasen nos introduce, en el comic que lleva por título Deogratias. El protagonista se siente como un perro despreciable y despreciado por todos y así nos lo hace ver durante su obra en varias secuencias o viñetas.

Otro genio de la metáfora gráfica es Frederik Peeters. En su obra Píldoras Azules, nos lo demuestra ya desde su maravillosa portada donde se le da a este recurso un protagonismo especial. Peeters utiliza la metáfora gráfica y no hace falta bocadillo, cartelas, ni ningún texto para que en la ilustración que adorna la portada de la obra se pueda leer algo así como “Hablando con ella no me importó nada más, estábamos solos, como en un océano”

Más adelante, ya en el interior de la obra, podemos encontrar otros ejemplos como el del rinoceronte, que no es otra cosa que un sinónimo gráfico del miedo y la inseguridad.

Y es que son en este tipo de obras, las que hablan de sentimientos, las de carácter autobiográfico, donde se hace más patente el uso de este recurso.
De la misma manera podríamos hablar de Blankets de Craig Thompson, donde su protagonista, el propio Craig se acerca al amor dominado por los pensamientos que una educación religiosa y absolutista han llenado de contradicciones y temores. En estos ejemplos (de una de las viñetas de la obra y de una página de la misma) vemos como el autor utiliza varias veces este recurso para mostrarnos el análisis que hace de su relación.

No te Olvides de Recordar es un comic donde su autor, Peter Kuper, no se cansa de utilizar la metáfora gráfica en muchas de sus páginas en las que nos muestra y cuenta su vida. Una de mis preferidas es cuando los dolores del parto convierten a su mujer en una Medusa de la mitología griega. Un monstruo capaz de convertir en piedra a todo aquel que le mira.

Igualmente, Satrapi, también hace de la metáfora gráfica un arte y una forma de contar una historia. En este caso podemos ver dos páginas, a modo de ejemplo, de su obra más laureada: Persépolis, donde, de manera autobiográfica, entrelaza su propia historia y la de Irán, su país de origen , así como nos cuenta la animadversión, a pesar del desconocimiento, de oriente hacia occidente y viceversa.

Aunque sin duda, si tenemos que mencionar a un autor que más la utiliza, tendremos que hablar de David B. y su Epiléptico: La ascensión del Gran Mal donde el auto nos cuenta, también de manera autobiográfica la historia de la enfermedad de su hermano mayor: La epilepsia.
En esta viñeta en concreto David B. nos describe como los médicos rodeaban a su hermano y sus padres mientras parecen estar jugando al corro de la patata. Poco más podían hacer ante una enfermedad incurable.

Muchos historietitas consiguen llegar a este recurso a través de las sombras de sus personajes. El caso más claro es sin duda el cowboy más solitario de la BD y la rapidez con la que desenfunda sus revólveres.

Otros ejemplos más recientes de cómo utilizar la sombra para llegar a la metáfora los podemos encontrar en dos obras de nuestros autores. En el juego de la luna, Bonet y Munuera, desvelan la verdadera personalidad de Rufo, tan malvado como lo era el lobo en los cuentos de Perrault.

En la también recomendable obra de Altarriba y Kim, El Arte de Volar, los autores nos muestran la tremenda fuerza moralista que ejercía el clero en los años de la dictadura de Franco en una viñeta tremendamente dura en la que la sombra ejerce su papel de transmisora de la metáfora gráfica.

El Arte de Volar también nos muestra más ejemplos de este recurso en sus páginas, como este en el que se nos muestra que a la dictadura no le era de interés que fueras demasiado observador.

O este otro en el que el baile y a compañía agradable hacen que los protagonistas se vayan alejando de la gente, pese a estar siempre a su lado.

En Maus, el comic de Spiegelman, el autor convierte a los judíos en ratones y los nazis en sus eternos cazadores: Los gatos. Haciendo de este recurso una constante durante todo el comic.

Otra estupenda metáfora que podemos encontrar en este comic (y que a mi se me había pasado en un primer vistazo, gracias Emilio) es la forma de Spiegelman de dibujar el camino a seguir por sus protagonistas. Una cruz gamada. Dando a entender que cualquier sitio al que vayan estará ocupado por las tropas nazis.

O esa otra en la que Spiegelman, se dibuja a si mismo sobre una montaña de cadáveres judios por culpa de lo mucho que se está involucrando en la historia que nos está contando y que no deja de ser la historia de su pueblo, padre y seres queridos.

Continuando con los personajes antropomórficos podríamos destacar también la obra Blacksad, de Canales y Guarnido, donde los autores otorgan a sus personajes características únicas de los animales a los que representan.

Emilio también me recuerda que en el comic de Christin y Bilal, Partida de Caza, aparece bastante este recurso elegido, en varias ocasiones, por los autres para poder contar su historia de una forma más entendible.
Una de las metáforas que podemos encontrar en el comic y que mejor puede resumir la obra, es el baño de sangre que se dan los antiguos cargos comunistas.

Desde luego, incluir una metáfora gráfica en una obra no está al alcance de cualquier autor, al menos no de hacerlo con la maestría de todos y cada uno de los ejemplos antes expuestos pero, de conseguirlo, es un recurso este que da agilidad a la lectura al carecer de bocadillos, cartelas o texto alguno. Un recurso, igualmente, que aún recogido de la literatura engrandece un poco más el comic ya que en este caso, hay que saber “leer” el dibujo, la viñeta, siendo esto algo solo utilizable en nuestro medio.
Hay muchos más ejemplos, por supuesto, y os invito a buscarlos en otros comics y autores. Como dice nuestro buen amigo Álvaro, en una charla sobre esta cuestión mantenida con él recientemente, “La metáfora gráfica es el espíritu de la historieta!!!!”

Un saludo.

Para la creación de este post debo agradecer la escucha, consejos y paciencia, (sobretodo paciencia) de los amigos Emilio Aurelio y Álvaro Pons.

La Visita: Punicher.

2009-11-18T00:17:00.002+01:00

Hace poco tiempo que Punicher es seguidor de La Caraviñeta, pero ya nos conocíamos hace algún tiempo gracias al invento ese del Facebook y ya allí, dejaba constancia de lo que disfruta con los tebeos.

Cierto es que le había perdido la pista por culpa del cada vez más escaso tiempo que puedo dedicar al Facebook, pero gracias a sus blogs, la he recuperado.
Punicher Zone y Los Acólitos de Kirby, tanto uno como otro, son blogs de aconsejable visita dedicados al comic y más particularmente al de temática superheroica, aunque también podemos leer en ellos artículos de otras temáticas.

Con Punicher, unas risas, unas cervezas y lo agradable que resulta un reencuentro, hablamos de el tebeo recientemente editado por Glenat: Un Buen Hombre.

UN BUEN HOMBRE

Ediciones Glénat Colección Delicatessen - 80 págs - Color - PVP: 18,50

Sinopsis: Basada en hechos reales y, en particular, en los sucesos que tuvieron lugar en una urbanización situada a las afueras del campo de Mauthausen, “Un buen hombre” muestra cómo se reclutaba a los oficiales de las SS entre analfabetos para poder manipularles mejor y convencerles de las conductas más aberrantes. La obra ahonda en la vida diaria de estos asesinos en sus casas, de sus relaciones familiares, de cómo unos han abrazado el nazismo por oportunismo, otros por miedo o seducidos por la ideas de la comunidad racial aria.

Este cómic trata sobre las personas, las listas y las tontas , sobre los culpables y sobre los inocentes y sobre todo trata de lo que es capaz de hacer el ser humano cuando se le lava el cerebro y se le da algo de poder, la historia que se cuenta en este cómic no por estar basada en hechos reales deja de resultar alucinante, alucinante, triste, lamentable y hasta asquerosa ya que asco es la sensación que le dejan a uno los actos cometidos por unos indeseables que se ven a sí mismos como héroes de la patria y buenos ciudadanos cuando en realidad no son más que unos palurdos con trajes a medida.

Dentro del cómic vamos a encontrarnos con varias historias cortas interrelacionadas entre sí que nos presentaran a unos personajes mezquinos encarnados por los gobernantes de el campo de concentración de Mauthausen y de lo que ocurría en la urbanización donde todos ellos vivían llamada Ciudad Jardín, un nombre muy bonito para un lugar que fue un autentico infierno para muchísimos prisioneros de guerra entre los que se encontraban un buen número de prisioneros españoles.

Así pues asistiremos a la degradación de un “buen alemán” al que los consejos que le da a un prisionero le terminan convirtiendo en un “enemigo de la patria”, a los ejercicios de tiro con los que uno de esos buenos ciudadanos alemanes intenta enseñar a su hijo a disparar utilizando para ello a prisioneros como blanco, a la mujer de uno de los jefes gordos del campo de concentración que intenta hacer en razón a su marido y demostrarle que lo que se hace allí es una locura, etc.

El guión de este cómic es obra de Javier Cosnava y los dibujos son de Toni Carbos, Juan Bernardo Muñoz, Javier Fernández, Alfonso Zapico, Fernando Baldó y Rubén del Rincón con la ayuda en el color de Carlos del Rincón y Sofía Espinosa además de una portada dibujada por Daniel Acuña.

A mi desde luego me ha gustado mucho, además la edición de Glénat está muy cuidada incluyendo una entrevista con una de las protagonistas de la historia, fotos de algunos de los personajes que salen en el cómic y el destino final de algunos de ellos, también hay un portafolio con bocetos de los personajes hecho por sus respectivos dibujantes.

Un cómic que sirve para recordarnos hasta dónde puede llegar el ser humano en su afán de poder y reconocimiento, no está mal que saquen obras como esta para recordarnos que nadie es mejor que nadie por nacer en un país o en otro o por pensar diferente.

Para mi es una buena compra aunque el precio sea tal vez algo excesivo, cosa que seguro que echará a mucha gente para atrás a la hora de hacerse con él.

Lo dicho, personalmente lo recomiendo, tal vez no sea una obra maestra pero impacta.

Miralles Ex-Libris y Algo Más.

2009-11-16T01:19:00.002+01:00

Lecturas: Las Aventuras de Spirou y Fantasio: Diario de Un Ingenuo.

2009-11-13T07:10:00.004+01:00

Edición original: Une Aventure de Spirou & Fantasio par…4: Emile Bravo – Le journal d’un ingénu.
Fecha de edición: octubre de 2009
Guión y Dibujo: Émile Bravo
Color: Delphine Chedru
Formato: Libro cartoné, 72 págs., color.
Editorial: Planeta DeAgostini.

Magistral.

Últimamente he de reconocer que llevo una buena racha a la hora de elegir los tebeos a leer. Prácticamente, en su mayoría, autores que nos presentan una nueva forma de acercarse al medio, investigando y tratando de ofrecernos nuevas fórmulas tanto en la propuesta gráfica como en el guión y, de repente, me encuentro con este Diario de un Ingenuo de Èmile Bravo (Un comic, por otra parte, que llevaba tiempo esperando la edición en castellano que, finalmente, Planeta nos ha traído). Èmile Bravo, lejos de hacer de su Diario de un Ingenuo una avanzadilla del noveno arte, nos retorna a los cómics más clásicos de la escuela francobelga y nos cuenta la historia y el nacimiento como heroe del botones más conocido de la BD. Así, tanto en sus composiciones de páginas, como en la forma de contar la historia, e incluso en su dibujo, podemos recordar nombres de la talla de Franquín (como no hablando de Spirou), Chaland, o Hergé, autor al que no se cansa de homenajear a traves de su personaje más conocido, Tintín, durante las 72 páginas de las que consta la historieta.

Bravo se remonta al año 1939 para contarnos los inicios del personaje. Nos muestra a un spirou ingenuo, un preadolescente que avanza inocentemente, con paso vacilante hacia la madurez al ritmo que le manda la época que le tocó atravesar. Nos habla de su primer trabajo, su primer amor, sus primeros contactos con Fantasio y Spip, su ardilla.
Debe ser complicado trabajar en un personaje tan emblemático como Spirou. La presión de hacer algo bueno con un personaje tan trillado como el botones aventurero, de que guste a sus miles de seguidores, que resulte coherente con su historia debe resultar exagerada. Más si cabe inventarse un origen, un nacimiento y unos porqués sin desmembrar las señas de identidad del protagonista. Bravo se enfrenta a esto con la sencillez de quien cree que es un personaje diseñado para él y sale victorioso. Se inventa nuevos personajes con lo que interactuar y dar coherencia y consistencia a la historia, al nacimiento del héroe y lo hace de una manera asequible, consiguiendo en muchos casos una sonrisa del lector adulto, que disfruta de lo que está leyendo de la misma manera que disfrutaba de las lecturas del mismo Franquín y presumiblemente consiguiendo igualmente la sonrisa en los rostros de los más jóvenes lectores.

Spirou es el botones del hotel Moustic de Bruselas. Durante sus horas de trabajo se dedica a subir y bajar maletas de los muchos rostros conocidos que llegan al hotel buscando privacidad, a huir de Entresol, personaje siempre dispuesto a darle unos capones, y evitar que su incansable compañera, Spip la ardilla, se meta en problemas. Durante sus horas de asueto, arbitra partidos de fútbol entre chavales conmocionados por el rumbo político del mundo en los años anteriores a la 2º Guerra Mundial y se dedica a pasear con la sirvienta del hotel que, a pesar de no conocer ni su nombre, le tiene completamente enamorado.
Pero la historia a elegido el hotel donde trabaja el pequeño botones para cambiar de dirección. En una de sus habitaciones, polacos y alemanes pactan la forma de repartirse Polonia tratando así de evitar la guerra.
Fantasio, que en esos momentos trabaja como periodista del corazón para el diario Mosquito y persigue a una pareja de celebridades que se alojan en el hotel, ayudará a que polacos y alemanes lleguen a una resolución.

Es este Diario de un Ingenuo un comic fantástico, donde se pone de manifiesto lo que pueden hacer autores de la talla de Bravo con personajes consagrados, y que pone en evidencia (más si cabe) las absurdas guerras de los moulinsart y los Uderzos de turno a favor del dinero y en contra de los personajes que sus antecesores o ellos mismos crearon.

Ideas y recursos que me apetece destacar de la obra:

Èmile Bravo, españoliza el nombre de Spirou

El autor utiliza costantemente las estrellas que indican el dolor para hacer el golpe más humorístico.

Escuchando a través de la puerta.

La lluvia y las gotas en el suelo.

Spirou se enamora por primera vez en uno de sus comics y se ruboriza con facilidad.

Los homenajes a Tintín y Hergé son constantes en la obra.

A la caza de la rata desde un mismo punto de vista.

Otros comentarios a esta obra:

Álvaro Pons en La Carcel de Papel.
PAblo en El Lector Impaciente.
Sergio en Lecturas Recomicdadas.
Blueberry en Fort Navajo.

Nueva Revista CHT.

2009-11-12T00:59:00.002+01:00

Los amigos de La Caraviñeta, Horacio Díez y Charles Caum, de Comics, Historietas, Tebeos... , se embarcan en un nuevo proyecto: La creción de una revista dedicada al mundo del comic y los autores clásicos.
La nueva revista tiene una pinta estupenda tanto por sus artículos como por su apariencia.
Desde aquí no podemos hacer otra cosa que apoyarles pues creo, que es una apuesta necesaria.

El número 0, que se espera que salga en diciembre, será gratuito para todos aquellos que lo quieran pedir aquí. (Los gastos de correos irán a cargo del destinatario).

Aquí os dejo la (maravillosa) imagen que adornará la portada de este número 0, así como el sumario:

Un saludo.

La Visita: Francix.

2009-11-11T00:33:00.001+01:00

Día de Visita en La Caraviñeta.
Francix llegó tarde, a eso de la 23h. de la noche, después de haber acostado a los pequeños.
Llegó como llegan los amigos en las “pelis” americanas, con seis latas de cerveza bajo el brazo, bueno en nuestro caso trajo Shandys ya que siempre coincidimos tomándonos una de estas cada vez que hablamos, y pronto comenzamos a hablar de la familia, del presente y futuro, y como no, de comics, mientras abríamos nuestras latas y entre sorbo y sorbo dajábamos pasar las horas.
Es fácil hablar con Francix ya que para bien, o para mal, tenemos muchas cosas en común .

Francix en sus ratos libres (pocos) se dedica a hablar de comics en su blog, Bocadillos de pensamiento. A parte y como si el día tuviese para él 27 horas (lo menos) es administrador de uno de los foros más activos dedicados al mundo del comic Pammhg ¡Pues a mi me ha gustado!

Con Francix hablamos de Fantasía, sangre y risas.

La idea de mezclar el género fantástico con el humor es un recurrente dentro del mundo del cómic. Y se me ocurren más de uno y de dos ejemplos bien conocidos para el lector español que vienen a confirmar esta especie de fórmula mágica de éxito comercial y de crítica, que parecen ensalzar rápidamente algunos títulos como clásicos instantáneos de su género, sea cual sea el elegido en el caso concreto. Pero rara vez nos hemos dado cuenta de cómo se hace uso de la violencia en estos cómics, muchas veces de forma gratuita y explícita, para regodeo del lector y como combustible de un humor grueso que no suele funcionar y es sujeto a clasificaciones en otros ámbitos visuales como cine o televisión.

Si nos remontamos a la época de Asterix (Goscinny/Uderzo, 1959), ya encontramos claros elementos de la fantasía (como eran los poderes de los irreductibles galos), dando lugar a una de las sagas más famosas del cómic francés, y que basa su éxito, además de en sus magníficos protagonistas, en la aventura y el humor. En este caso, el humor gira en torno a pequeños gags sobre nacionalidades, nombres curiosos y giros verbales (sobre todo en su lengua de origen y que no siempre se han transmitido correctamente en la traducción), situaciones de absurdo (tramas enteras han girado en torno a absurdos asumidos con completa normalidad) y en gran medida a una violencia nada velada, aunque perfectamente consentida y muy suave para nuestros tiempos. Una vez sí y otra también, volaban por los aires los romanos y acababan destartalados y amoratados sin ningún pudor por parte de los autores y para diversión del lector, mientras que los personajes secundarios que rodean a los protagonistas en la aldea gala no dudan en enzarzarse en rudas riñas o divertirse en desiguales palizas a los romanos. Una apología de la violencia del más fuerte sobre el más débil que raramente se ha comentado. Claro, es un clásico.

En este caso, las historias del genial Goscinny, se resuelven dentro del propio formato de album, siendo el aliciente de la serie tanto la aventura como el humor que desbordan los protagonistas. Mientras que el apartado gráfico, Uderzo se caracteriza por una original y correctísima interpretación de la anatomía humana con una gran influencia de la animación de Disney, con figuras redondeadas y narices prominentes, caricaturizando personajes (algo que sin duda suaviza tanto golpetazo y moratón) y con una sólida ambientación histórica basada en un trabajo de contexto tanto natural como arquitectónico que pocos artistas han conseguido transmitir a lo largo de los años. Por más de una veintena de álbumes, Asterix es una obra culmen de la BD y una de las imprescindibles en toda biblioteca pública o privada que se precie.

Cruzando el charco, encontramos sin duda en la obra de Sergio Aragonés, Groo The Wanderer (Aragonés, 1981), otro de los títulos que basa en la fantasía y el humor su rotundo éxito. En esta ocasión, el punto de partida es la más pura de las parodias del género de espada y brujería, y casi todo el peso argumental recae en la estupidez profunda de su protagonista. En la serie de Groo todo es humor y desenfreno, y el formato (comic-book 24 páginas) es el que marca la pauta del progreso de las historias. Frente al anterior ejemplo, Groo forma parte de un universo dinámico y que ha ido evolucionando y creciendo con los años, incorporando personajes secundarios a la serie poco a poco y cuyas historias han ido, sin salir de la pauta cómica, de lo meramente festivo y desparramante hasta el mensaje social, aprovechando incluso la cadencia mensual para dosificar las historias más largas en forma de sagas de varios números (algo más duro de asumir en formato álbum prácticamente anual). Con la ayuda de Mark Evanier en unos diálogos que no tienen desperdicio, la serie de Groo es también una obra de personaje más que de historias, siendo el maxi-chiste que es Groo la característica que identifica perfectamente a la serie. El hundimiento de barcos, los regateos de kopins, las absurdas tomas de decisión, el queso fundido o su mítico ¿Habré errado? forman parte de ese gran chiste repetido que es Groo.

Por supuesto, esta época de leyenda como es la de espada y brujería, y por muy importante que sea el verbo inteligente de Aragonés/Evanier, no puede estar exenta de violencia sin control, y el dibujo lleno de detalles y caricaturesco de Sergio Aragonés es propicio para estos menesteres. Ayudado de sugerentes y explícitas onomatopeyas, expresivos rostros de dolor y la veloz esgrima del bárbaro más tonto de todos los tiempos, Groo corta, raja, degüella, decapita, desmiembra, ensarta, golpea, rompe,... y todos los verbos sangrientos y contundentes que se os ocurran. En comparación con los "simples" golpes de los galos, la violencia en Groo es sumamente explícita y mucho más sangrienta (no en vano, tenemos de por medio armas cortantes), aunque queda diluida tras la mayor caricaturización de la acción. En este caso se suma además una total amoralidad por parte del protagonista, que queda siempre amortiguada por su total inmadurez y estupidez.

Un caso semejante es el del mundo de La Mazmorra (Trondheim y Sfarr, 1998), en el que también se mezcla la aventura fantástica y el humor que se ha convertido en una de las franquicias europeas de mayor éxito comercial de los últimos años. Basada en un mundo de fantasía en el que los aventureros acuden a La Mazmorra en busca de fama y tesoros como si de un juego de rol se tratara, para acabar encontrando generalmente una cruenta muerte a manos de sus habitantes, se caracteriza por tener una cadencia algo más llevadera de lo acostumbrado en el cómic europeo. Sobre todo debido a la división de este universo fantástico en varias líneas temporales (Amanecer, Zénit y Crepúsculo) y otras complementarias (Festival y Monstruos), todas ellas llevadas por artistas diferentes, generalmente con un dibujo de narración ágil, que han acelerado considerablemente la producción (al menos 2 álbumes al año) y el avance de las diferentes tramas temporales.

Pero el secreto del éxito de La Mazmorra también está muy vinculado al derroche de humor que inunda sus páginas, como inundadas también suelen estar de sangre. Y es que, como ocurriera en Groo, ya sea con armas cortantes (y plumíferas) o con sus propias manos o dientes, cada pocas páginas, los protagonistas y secundarios de la serie suelen acabar amputando, atravesando, decapitando, aplastando e incluso devorando, a ritmo de risas, a todos esos personajes de atrezzo cuya única función parece ser la de ser víctimas de semejantes tropelías. Tampoco en este caso existe ningún tipo de efecto moral entre los personajes de La Mazmorra, que generalmente parece que "hicieran su trabajo" o que simplemente no le dieran ninguna importancia a los asesinatos. Pareciera que cuanto más caricaturesco es el papel del dibujante (recordemos que está realizada por diferentes autores), es más probable que nos encontremos con violencia más explícita. Se vanaliza toda esta brutalidad con un elenco de personajes de fantasía formado por patos, dragones, conejos y monstruos varios, convenientemente antropomorfizados para la ocasión, pero que cumplen sobradamente su función de edulcorar la sangría que recorre sus páginas. No es lo mismo que le arranquen el corazón al barrendero de La Mazmorra a que este sea un pato, ya que entonces es "sólo un pato". En este caso, se utiliza la deshumanización de los personajes junto al dibujo caricaturesco de los autores para rebajar el peso de la violencia y su amoralidad en la franquicia.

Otro ejemplo de este efecto, aunque más puntual a lo largo de sus páginas (debido al público más generalista al que está destinado), es la presencia de la violencia en Bone (Jeff Smith, 1991). En esta ocasión se trata de una serie cerrada con una línea argumental principal muy clara y de puro estilo fantástico, que evoluciona en su uso del humor y también de la violencia, muy medida y dosificada. La serie, que solemos considerar para todos los públicos, reúne hábilmente características gráficas típicas del cartoon (dibujo animado), el humor en forma de subtramas o de interludios de la trama principal, y la fantasía más clásica y elaborada, en una historia que a muchos nos ha capturado y embelesado hasta su reciente (en España) conclusión. En la obra de Jeff Smith siempre veremos reunidos los aspectos de caricaturización (cartoon en este caso) y de personajes no humanos en las secuencias de la historia que incluyan más violencia - aunque esté enfocada a un amplio espectro de público no deja de ser una serie de fantasía -. Los protagonistas de las amputaciones y caídas, suelen ser siempre las Mostrorratas y Bones, y cuando no es así (me viene ahora a la mente la paliza que le da Kingdok a la abuela Rose) el dibujo se aleja de la acción o directamente no la muestra. En cualquier caso, las escenas violentas en Bone siempre acarrean consecuencias y también un mensaje moral. Ya sea como una inflamación ante una picadura (no se debe robar), un tiznado debido a una llama (hablar con un extraño) o señales evidentes de heridas que duran varios números, cualquier acción producida a lo largo de la historia tiene una continuación y unas consecuencias.

En definitiva, existen una serie de cuestiones sobre este tipo de cómics que tan buen éxito comercial han tenido, que raramente son discutidas o simplemente planteadas. La violencia más o menos explícita, tan vigilada en otros casos, no es algo que suela formar parte del análisis de un cómic. En ningún caso pretendo valorar la bondad o no de la indiscutible calidad de estas seires (que recomiendo encarecidamente), pero me parece muy interesante analizar qué tipo de artificios nos disfrazan estos aspectos que parecen estar ocultos y que poca gente llega a comentar. Quizás porque el mundo del cómic aún no está sujeto a la presión mediática que sufren otros medios culturales o porque sus autores han aportado esa serie de ingredientes que otros no han sabido interpretar en esa fórmula de aparente éxito seguro que es el humor y la fantasía.

Localización de Escenarios: Ramiro, Un Paseo por Nuestro Medievo. 3º Parte y Final.

2009-11-09T00:12:00.003+01:00

Vamos con la última entrega de una serie de entradas dedicadas en esta sección al comic de Stoquart y Vance: Ramiro, publicado en Francia por la editorial Dargaud.

En esta entrada analizaremos los números 7, 8, y 9 de dicha obra. Números en los que se sigue notando una gran documentación, pero que sin embargo no es tan llamativa en el dibujo como en los números anteriores, aunque si en el texto donde, los autores, se muestran como unos grandes conocedores del medievo hispano.
En esta ocasión guionista y dibujante nos llevan a visitar Segovia, Burgos, la sierra madrileña de Guadarrama y Ciudad Real.
En algunos casos las localizaciones no son tan exactas como sucede con el castillo de Alarcos (Ciudad Real) al ser un castillo en ruinas del que posiblemente, cuando Vance dibujó el tebeo, no existía una reconstrucción digital como podemos encontrar ahora. En otros casos el paisaje permite una mayor libertada gráfica como sucede con la sierra de Guadarrama o el bajo Guadiana y en algunos otros, como la torre a orillas del Guadiana donde se desarrolla el final del noveno número, o bien no existe y forma parte del imaginario de Vance, o bien, no he sabido localizarla a pesar de los muchos intentos.

En referencia a lo que se ha hablado sobre la edición del comic por aquí, he de decir que es una obra inconclusa. Vance la abandonó para hacerse cargo de otros trabajos a los que dió prioridad y dejó la serie sin un final. Una pena que, sin duda, hace más dificil que podamos disfrutar de ella por estos lares.

Enlace a la 1º parte.

Enlace a la 2º parte.

Un saludo.

Localización de Escenarios: Ramiro, Un Paseo por Nuestro Medievo. 2º Parte.

2009-11-06T07:02:00.009+01:00

Seguimos con el comic de Stoquart y Vance: Ramiro.

En esta ocasión vemos como Ramiro llega a Santiago de Compostela desde Francia atravesando Navarra, Palencia y León mientras seguimos fascinados por el detallista y realista dibujo de Vance.
Para esta entrada me he ayudado del fantástico artículo de Dialnet sobre dos números de este comic (que aconsejo encarecidamente su lectura) y que me ha servido para tomar imágenes de él, así como para saber que cuando los autores hablaban de Molinaseca en realidad estaban retratando el pueblo, también leonés, de Acebo. Cosa esta que nunca hubiese descubierto sin la lectura de tan estupendo artículo.

Para esta entrada hemos analizado los números 4, 5 y 6 de dicha serie.

Enlace a la 1º parte.

Enlace a la 3º parte.

Un saludo.

Localización de Escenarios: Ramiro, Un Paseo por Nuestro Medievo. 1º Parte.

2009-11-03T02:09:00.005+01:00

Ya hablamos en su momento, en los comentarios de esta entrada dedicada a Vance, de lo lastimoso que era ver como una serie como esta, casi en su totalidad localizada en el medioevo español, aún estuviese inédita por estos lares.
El Sr. Impaciente, cogió enseguida el testigo e hizo su petición en su blog por si algún editor que creyera en sus posibilidades veía a bien poner fin a este tamaño error.
Yo, por mi parte, y sumándome también a la petición de Pablo voy a hacer una serie de entradas en las que vamos a peregrinar por el camino de santiago medieval de la mano de Vance, el desconocido Jacques Stoquart (que sin embargo firma un buen trabajo a los guiones), y el protagonista de la historia. Ramiro.
En esta entrada vamos a poder ser testigos de excepción del maravilloso dibujo de Vance, lejos de su más exitosa y contemporánea XIII, y la gran documentación llevada a cabo para la realización de esta obra que en Francia se ha editado en dos fantásticos integrales donde se reúnen los 9 números originales de los que consta la serie.
Para esta primera entrada analizaremos los tres primeros números de la serie original.

Enlace a la 2º parte.

Enlace a la 3º parte.

Un saludo.

Las Mil Una Maneras: Beautiful Day.

2009-10-30T00:12:00.005+01:00

"El mundo está lleno de pequeñas alegrías; el arte consiste en saber distinguirlas."
Li-Tai-Po. (701-762) poeta chino.

Hay momentos en la vida en los que esta te regala un instante de felicidad. No se dan muchos, no. Tan solo hay que esperar el momento, atraparlo, disfrutarlo y guardarlo en la memoria para que siempre se pueda regresar a el, para que siempre podamos tener un pedacito de felicidad guardada y poder así volver a ella siempre que queramos durante el resto de nuestra vida.

Desde luego la mayor parte de esta felicidad la podemos encontrar al lado de quien nos quiere, la familia, los amigos y sobretodo los hijos, siempre dispuestos a, inocentemente, regalarnos mil y un momentos para hacernos felices.
Antes, hay otro periodo de tiempo que se recuerda como de tremenda felicidad para todo aquel que haya conocido el amor. Veamos como describen ese instante algunos autores:

Blacksad de Canales y Guarnido.

Los Combates Cotidianos de Lacernet.

El Escorpión de Desberg y Marini.

Verano Indio de Pratt y Manara.

Ring Circus de Chauvel y Pedrosa.

Las Torres de Bois-Maury de Hermann.

Un Poco de Humo Azul de Lapière y Pellejero.

Sigfried de A.Alice.

India Dreams de Maryse y J.F.Charles.

Kwaidan de Jee-Yun y Jung.

Pin-Up de Yann y Berthet.

XIII de Van Hamme y Vance.

Giacomo C. de Dufaux y Griffo.

Tres Destellos Blancos de Le Floc´h.

Corto Maltés de H.Pratt.

Jonas Fink de Giardino.

Núbilus de Fideu, Cifuentes y Ciro.

La Prórroga de Gibrat.

El Valls del Gulag de Lapière y Pellejero.

El Vuelo del Cuervo de Gibrat.

Lazos de Sangre de Yves H. y hermann.

RG de Dragon y Peeters.

Luna de Guerra de Van Hamme y Hermann.

Los Maestros Cerveceros de Va Hamme y Vallès.

El Cadaver y el Sofá de T.Sandoval.

El Marqués de Anaon de Vehlmann y Bonhomme.

El Tercer Testamento de Dorison y A.Alice.

La Posada del Fin del Mundo de Oger y Prugne.

Magasin Gènèral de Loisel Y Tripp.

Thorgal de Van Hamme y Rosinski.

Manhattan Beach 1957 de Yves H. y Hermann.

Un saludo.

Bravo Ex-Libris y Algo Más.

2009-10-28T00:31:00.002+01:00

Lecturas: Ken Games - 2/3 Feuille.

2009-10-26T01:00:00.006+01:00

Fecha de edición: septiembre 2009.
Guión: José Robledo.
Dibujo: Marcial Toledano.
Formato: Libro cartoné, 50 págs., color.
Editorial: Diábolo Ediciones.

Abran juego, señores.

José Robledo y Marcial Toledano nos demuestran en este nuevo número de Ken Games que estamos ante dos de nuestros mejores tahures del mundo de la historieta.
Nos sorprendieron con el primer número, que ya comentamos por aquí, por la rigidez de Robledo en el guión y por el increíble dibujo de Toledano. Ahora, conociendo ya con quien nos estamos jugando el bote y con prácticamente todas sus cartas encima del tapete, nos demuestran que en el anterior número no iban de farol, que tienen buenas cartas en su mano y que, por si fuera poco, saben como utilizarlas.

Se confirma, por tanto, el gran trabajo de Robledo en el guión. Lleno de guiños muy visibles a l cine clásico y a Paul Newman (referente también en el primer número). Un guión con una gran documentación detrás, que en este caso sirve para que conozcamos un poco más el juego del póker y sus diferentes versiones a los que no estamos muy duchos en la materia. Llevando la historia estupendamente dando saltos entre los diferentes personajes protagonistas, sus acciones y sus pensamientos y dejándonos varias veces descompuestos con los giros que nos presenta en su historia y sus cliffhanger finales con los que irremediablemente esperas al próximo número (y final en este caso) con ansias y llegas a la conclusión de que el guionista te ha enganchado a su forma de contar la historia.

Por su parte Toledano nos vuelve a dejar atónitos con su dibujo y su increíble nivel de detallismo en sus viñetas donde podemos reconocer marcas de ropa, impresiones en las camisetas o marcas de tabaco que consiguen hacer más real y actual la lectura , con sus personajes masculinos de amplio mentón y sus féminas de ojos grandes y de aparente fragilidad. Un autor magistral al que no hace falta ser muy listo para depararle un grandísimo futuro dentro de la historieta.

En esta ocasión los autores hacen protagonista del álbum a Thierry-Jean, ( TJ ) fantástico jugador de póker que utilizará la mentira que envuelve toda la serie una vez más para, mientras sus amigos piensan que está en una convención de negocios de la que posiblemente regrese con un ascenso, ir a jugar el campeonato mundial de póker que se celebra anualmente en Las Vegas.
Como en el número anterior ningún protagonista se libra de las mentiras aunque en este caso, estas, van algo más allá, tocando lo sentimental.
Cuando alguien se acostumbra a mentir, ningún engaño le parece lo suficientemente grande y se demuestra una y otra vez que puede perfectamente vivir con ella.
También he encontrado en este número un mayor trabajo a la hora de desarrollar personajes secundarios que tienen, o se prevén que tendrán, una gran importancia en el último número de la obra.

Con este título los autores han sido premiados con el Prix des libraries de BD 2010. Segundo número de la serie y segundo con el que consiguen tal mención y que sirve para hacerse una idea de la calidad de esta.
Las cartas vuelven a estar encima de la mesa. Si consiguen cerrar la serie con la misma calidad (yo desde aquí no lo dudo) está llamada a ser una de las mejores BD de los últimos años.

Ideas y recursos que me apetece destacar de la obra:

Toledano y Robledo nos enseñan a jugar al texas hold´em.

El Buen jugador de póker tiene que tener el talento necesario para poder llegar a ver las cartas con las que juegan sus competidores... igualmente necesario es saber ocultarlas.

Secuencias de viñetas parecidas entre los dos álbunes, dando a entender que la vida de los protagonistas sigue cotidianamente su curso. (Primera secuencia perteneciente al segundo álbum. Segunda secuencia, de la que me he permitido la licencia de eliminar una viñeta intermedia a fin de que se vea mejor lo que pretendo mostrar, perteneciente al primero).

Los autores vuelven a utilizar el mismo recurso con el que lograron sorprendernos en el anterior número de la serie, mostrando el presente y el pasado en una misma viñeta.

Son muchos los guiños y homenajes que podemos encontrar en las páginas de esta obra.
Algunos muy evidentes como:
El combate de Ali & Foreman, considerado como el mejor combate de la historia del boxeo.

O una increible secuencia en la que viñetas de la película El Golpe de Paul Newman se entrelazan con las de la historia que se nos está contando.

Otras son menos evidentes como la (posible) caracterización del personaje conocido como Texas rounder que homenajea (posiblemente) al gran maestro del póker Doyle Brunson, del que se habla en alguna ocasión en la obra y que demuestra una vez más el gran trabajo de documentación llevado a cabo a la hora de confeccionar el guión.

TJ pensativo, recordando una escena del anterior número.

Un saludo.

Otros comentarios a esta obra:

Ui Ar de Japis.
PAblo en El Lector Impaciente.

La Secuencia: Excusas Contra el Miedo.

2009-10-25T02:46:00.004+02:00

He de reconocer que cada vez me cuesta más hacer las entradas para esta sección.
Era bastante más fácil cuando apenas conocía a la gente que os pasáis por aquí habitualmente. Bastante más fácil cuando las escribía desde el más profundo anonimato sin tener la amistad que tengo con alguna gente que por aquí pasáis.
En estas entradas desnudo mi alma, muestro mi juego, enseño mis cartas y eso, a veces, no es bueno, pues corres el riesgo de ser más fácilmente juzgado, pero me he propuesto seguir con esta sección pues me ayuda bastante a conocerme (si, a mi también). Así pues, sigamos.

Hace bastante tiempo que no me sentía tan identificado con una secuencia como me he sentido al leer esta del comic Ken Games 2 - Feuille de José Robledo y Marcial Toledano.

He de reconocer que soy un tipo con bastantes ideas. Mi cabeza siempre está dando vueltas en busca de nuevas alternativas, nuevas direcciones… He de reconocer igualmente, que muchas de estas ideas son buenas y factibles, (algunas otras, mejor no hablamos) pero por desgracia ese miedo al fracaso que tiene Pierre, según el muy acertado análisis de Anne, es una constante en mi vida desde que tengo uso de razón.
Miedo a afrontar cualquier proyecto nuevo, cualquier cambio…
No voy a entrar a valorar quien es el culpable, si es que lo hay, de este carácter inseguro que me hace buscar cualquier excusa para evitar ese examen, pero es cierto que intento evadirme de la posibilidad, por muy remota que sea, de fracasar. Soy el primero en reconocer que esto debe cambiar, pero.. Y si fracaso en el intento?

Un saludo.

La ReVisita: Nacho. (2)

2009-10-23T00:48:00.002+02:00

Los que seáis habituales a este blog ya conoceréis al visitante de hoy.
Nacho (que ya nos ha visitado antes) supo que íbamos a hacer una segunda tanda de visitas y en seguida acepto venir otra vez a vernos. Y la verdad, lo celebro.

Lo celebro por que Nacho es una persona a la que nunca te cansas de recibir. En su forma de redactar cualquier entrada, ya sea en su blog (que ahora tiene nueva dirección y nuevo aspecto) o reseñando algún comic en Lecturas Recomicdadas, uno se puede dar cuenta de que es un tipo ingenioso y positivo y sus comentarios siempre son siempre frescos y agradables, acompañados con el tono burlón que le caracteriza. Aunque debéis andar con cuidado porque Nacho se lía, se lía y empieza hablando de patatas y termina haciéndolo de rinocerontes.

Como digo, un placer siempre recibirle.
En esta ocasión hablamos de Lucky Luke y los Tebeos en los que nos Gastamos Nuestro Primer Sueldo.

Pues resulta que estaba yo tirado en el sofá cuando de repente el super computador hipermegachachiquetecagas que tengo en casa, comprado en un todo a cien que estaba de rebajas por liquidación, me informó de que tenía un mail del amigo Angux. Iba a decir que ni corto ni perezoso me levanté a mirarlo, pero ya sabéis que cuando se está en el sofá a uno le cuesta hacer movimientos, por lo que dejé estar el asunto del mail para más tarde.

Un par de horitas, un sueñecito y unas babitas más tarde pasé por delante de la pantalla y me acordé de Angux. "Vamos a ver qué tripa se le ha roto...". Y resulta que iba a realizar una segunda tanda de Visitas y al pobre diablo se le había pasado por la cabeza volver a invitarme. Y es que hay gente que no aprende nunca...

Durante los meses que han transcurrido desde mi primera Visita he de admitir que en más de una ocasión se me había pasado por la cabeza que el tema seleccionado la primera vez no era el más idóneo y que debería haber hablado de tal y cual cosa. Pero cuando se me brindó ésta segunda oportunidad resulta que tal y cual cosa ya no recuerdo qué eran. De hecho me encontraba total y completamente en blanco frente al teclado.

Menos mal que a un servidor el tema de divagar se le da bastante bien (sirvan los tres párrafos anteriores de ejemplo) y podía hacer bulto fácilmente aunque en el fondo no dijese nada. Pero no. Angux, pese a la impresión que os pueda haber dado por la forma de referirme a él en los párrafos previos, es un amigo muy querido y respetado. Y los amigos, aunque bromees con ellos y sobre ellos, no se merecen que les marees la perdiz. Y más aún cuando te hacen un favor. Porque el estar aquí de Visita no es un favor que le hago a Angux. Es él el que me lo hace a mí.

Pues nada, vamos al ajo que seguro que muchos de vosotros ya habéis dejado de leer...

En mi anterior Visita os conté mis inicios en la compra de material europeo. Hoy vamos a avanzar un poco en el tiempo en mi autobiografía no autorizada y llegaremos al momento soñado por cualquier consumidor, el primer trabajo. Bueno, el primer trabajo no: EL PRIMER SUELDO FIJO Y REGULAR. Que, aunque normalmente es una miseria para cualquier trabajador con cargas familiares, hipotecarias y demás, al jovencillo de turno que vive en casa de sus padres se le antoja una verdadera fortuna, aún tras haberle restado un importante tanto por cien aportado a la familia para ayudar en casa. Y es que, tras años de depender de la caridad y asignación paterna, ahora se abría un mundo de posibilidades y material de lectura esperando a que le echara mano. Porque, siendo sinceros ¿quién piensa en ahorrar desde el primer sueldo?

En mi caso, la verdad, es que la elección era bastante clara. Desde mi más tierna infancia había devorado en la Biblioteca del colegio (si se puede llamar así a un cuartito con cinco estanterías) los típicos álbumes que comunmente son denominados por el gran público como clásicos franco-belgas: Tintin, Asterix, Lucky Luke y Spirou. Y de éste cuarteto tenía firme intención de adquirir la trinidad final. Al reportero del perro acabé cogiéndole manía con el tiempo.

Así que contento y felíz me dirigí a mi librería habitual con firme propósito de adquisición. Pero el destino tenía pensado algo diferente, y de camino a la tienda de comics me pasé por una librería de libros. En concreto se trataba de Paris-Valencia. Los lectores ocasionales de mi tierra supongo que la conocerán de sobra. Para los que no sepáis de ella, con deciros que es una librería en la que además de las novedades de rabiosa actualidad puedes encontrar mucho material antiguo a precio de saldo tenéis bastante información.

Pues la cuestión es que en el apartado de tebeos me encontré con un lote baratusco (dentro de lo que cabe) formado por unos tomos azules acolchaditos de Lucky Luke. Y yo os juro que no quería hacerlo. Que los tomos individuales en ése momento creía que eran más chulos y que eso del retapado era mancillar a la obra.

Ni que decir tiene que caí de cabeza en la tentación. Y al llegar a casa me metí una entripada de Ran Tan Plan, Daltons, Billy el niño, Jolly Jumper y demás. Y por supuesto del vaquero con su pitillito en la boca, ya que la campaña antitabaco todavía estaba a unos cuantos años de distancia.

A día de hoy no me arrepiento en absoluto. Quizá el único mal que ha provocado aquella compra es que desde entonces no he adquirido ni un sólo tomo de Lucky Luke más. Aquellos 36 álbumes recopilados en nueve tomos forman todo el material del vaquero más rápido que su sombra que tengo en casa.

Cienes de miles de veces me he propuesto comprar el material que me falta, y la pereza de ver qué tomos en concreto son y el pensar que con lo que tengo en casa cubro lo más mejor del personaje me llevan siempre a desestimar la idea. Aunque ahora que lo pienso, igual al llegar a casa me pongo y... Naaaaaaahh!

Saludos!

Lecturas: El Juego de la Luna.

2009-10-21T15:51:00.009+02:00

Edición original: Le Signe de la Lune.
Fecha de edición: septiembre de 2009
Guión: Bonet.
Dibujo: Munuera.
Formato: Libro cartoné, 135 págs., Blanco y negro.
Editorial: Astiberri.

Era se una vez….
Hace muchos, muchos años. Un joven y brillante dibujante quedó maravillado por una pequeña historieta de tan solo 24 páginas de otro imaginador de historias.
Y le gustó tanto, y le dejó una marca tan grande en su memoria, que varios años más tarde quiso hacer suya tal historia y decorarla así con su sensacional grafismo.
Con ayuda de aquel imaginador de historias, que hizo crecer aún más su idea, evolucionó y maduró a sus personajes y redondeó la obra, creó este maravilloso cuento que tenemos hoy en nuestras manos. Así nació El Juego de la Luna.

Lejos de aquella primera historieta de 24 páginas, que no he tenido el gusto de leer, en esta especie de nueva versión extendida podemos encontrar un bonito cuento que se basa en el misticismo de la luna y en los miedos que los adultos, desde tiempos inmemoriables, creamos a los niños para evitar que se acerquen a los peligros. La virtud del terror como ángel de la guarda.

Artemisa vive en el pequeño pueblo de Aldea. Su admiración por la luna y el cuidado de su hermano pequeño llenan sus días. Lambrijo la ama ya desde su corta edad y la protege de los abusos de Rufo, un niño de carácter agresivo y autoritario obsesionado por la muchacha.
Una noche de luna llena, Narizón, criado de la curandera del pueblo, ideará un juego al que están invitados todos los muchachos del pueblo con el fin de que hagan parte del trabajo que le tiene encomendado la curandera. Esconde un precioso amuleto que representa a la luna en el bosque e irá dando pistas a quien más babosas le vaya entregando.
Esa noche, una tragedia acaba de un plumazo con la admiración que Artemisa sentía por la luna y con sus ganas de vivir.
Años más tarde, Lambrijo, arto de esperar a que salga de su autoenclaustramiento decide irla a buscar y ella decide salir en su ayuda.

Los autores Bonet y Munuera nos presentan un conjunto de ideas influenciadas por los grandes cuentistas de la historia como Andersen, Grimm, Perrault..., por la mitología rural, en la que caben el lobo, como representación del mal y de los peligros del bosque o el monstruo que habita en el fondo del pozo y evita que los niños se acerquen a él y por el misticismo y la admiración que desde siempre hemos sentido los humanos por la luna. Igualmente, los personajes nos pueden recordar a otros, conocidos por las películas de animación y podemos encontrar en sus páginas a Rufo, el malo del cuento, amo y señor de Aldea y de sus habitantes a los que gobierna desde el (o gracias al) miedo que por él sienten sus súbditos. Artemisa y Lambrijo y su eterno y perenne amor desde la infancia, al misterioso Maravillas, brujo caminante que ofrece sus servicios allá donde le lleve el viento y que tendrá finalmente un papel muy importante para el desarrollo de la historia o Narizón, el servil y deforme, que acompaña en sus atropellos al malvado de turno, que se pone siempre del lado del poderoso, quizás por miedo, quizás por robar un respeto que de otra manera no podría conseguir. Personaje este que, por desgracia, no es difícil de encontrar en la vida real y que los autores nos muestran de una forma extremadamente caricaturesca, lo que sin duda ha sido bastante meditado.

Bonet recrea en esta ocasión una bonita historia, perfectamente dividida en dos partes, en la que todo queda fantásticamente coordinado, en la que no deja que se le escape nada de las manos y todo queda bastante bien atado. Un ejemplo de este gratificante cierre que el guionista da a todo el conjunto de su trabajo lo podemos encontrar en el personaje de Maravillas. Se podría pasar por alto que el mago llegue en el preciso momento en el que llega, al fin y al cabo, un mago que se deja guiar por el viento no necesita que se justifiquen sus pasos y sin embargo Bonet lo hace. Y lo hace perfectamente.
Mención especial merece el trabajo de uno de nuestros dibujantes más avezados. Munuera firma, quizás, su obra más personal de una forma sobresaliente, dejándonos bellas viñetas en las que la luna se muestra como principal protagonista, llenando de luminosidad y color un álbum acabado en blanco y negro (con aguadas grises) y logrando una excelente y agónica ambientación (para la que se ha inspirado, y según palabras del propio autor recogidas de el blog de la obra, de las películas de Boris Karloff)

Astberri se desmarca del formato libro, con el que yo personalmente creía iban a publicar este tebeo, para ofrecernos la obra en una fantástica edición en cartoné

Ideas y recursos que me apetece destacar de la obra:

El reflejo de la luna.
Dos viñetas que muestran el reflejo de la luna en el cristal y el reflejo en un pozo.

Munuera logra una estupenda ambientación y consigue dotar a sus viñetas de una increíble luminosidad a pesar de la escala de grises con la que “colorea” la obra. Dos ejemplos.

En ocasiones, Munuera, parte viñeta en tres partes para mantener la simetría de la página y lograr el tempo ideal de lectura. Un ejemplo.

El Viento y la hoja nos ayudan a trasladarnos de una parte del comic a otra. (este recurso ya se podía encontrar en el comic original de Bonet)

La segura mirada de Maravillas convence a las gentes de Aldea.

La sombra revela la verdadera personalidad de Rufo.

La capa roja. Único color que aparece en el comic y que ayuda a crear la atmósfera de misterio.

Un saludo y, que seáis felices y comáis perdices.

Otros comentarios a esta obra:

Sergio en Lecturas Recomicdadas.
Francix en Bocadillos de Pensamiento.
PAblo en El Lector Impaciente.
Emilio en Tangencias.
Pardi en El Devorador de Comics.

Cosey - Bonhomme: En Busca de la Economía.

2009-10-19T01:08:00.002+02:00

Si en algo se parecen los autores que hoy comparamos en esta entrada es, sin duda, en la búsqueda de la economía de trazo.
La economía de trazo es la llamada línea clara llevada a su máxima expresión, una búsqueda constante de contar más, con las menos pinceladas posibles. El propio Cosey lo explica bastante mejor que yo en la entrevista que concedió a ActuaBD el 30-12-08:
“Mi objetivo es alcanzar la simplicidad y la facilidad. Tener un dibujo nada recargado y mucho más depurado. Intento dibujar sólo lo fundamental, en el que cada trazo sea indispensable, si no lo es, eliminarlo. Es una teoría a la que intento adaptarme”

Y es cierto que Cosey intenta en todo momento ser consecuente con sus pensamientos y adaptarse a esta frase. La búsqueda de esa economía, el intento de simplificar al máximo su dibujo, se hace evidente en cualquiera de sus últimos títulos.
Sin embargo, es en “En Busca de Peter Pan”, y ayudándose de la nieve que envuelve todo el álbum, donde esta se hace más patente.

Por otro lado, Bonhomme, nos ofrece en sus títulos una estupenda mezcla de viñetas donde el ahorro del trazo se hace muy visible y otras, sin embargo, más recargadas y detallistas.
Una solución, siempre acertada, para según que es lo que quiera contar.

Vamos a ver algunos ejemplos de cómo cada autor economiza sus dibujos.
Para ello he elegido viñetas sueltas de la obra de Cosey, principalmente de su “En busca de Peter Pan” donde se puede comprobar la economía recurrente durante casi todo el trabajo del suizo y una exposición de grandes viñetas de Bonhomme, de sus obras “L'âge de raison” y “El Marqués de Anaon“ quizás la serie más conocida del francés y un claro ejemplo de la mezcla entre economía y detallismo.

Portada de L'âge de raison primer comic de Bonhomme. En él ya se puede apreciar esta sobriedad en su dibujo. El color utilizado tiene tanta importancia como el dibujo para tal fin, como se podrá apreciar en lo ejemplos en formas de viñetas que podremos observar más abajo.

Portada de A la Recherche de Peter Pan de Cosey, de la edición francesa (En Busca de Peter Pan. Planeta DeAgostini para la edición en castellano) Mucho se ha hablado de que este comic no estuvo a la altura de otros anteriores. Aunque no pueda estar más que de acuerdo con esa aseveración, si es cierto que es la obra donde Cosey, y apoyándose en la nieve, más hace patente la búsqueda del ahorro gráfico.

Bonhomme.

Cosey.

Un saludo.

Vallès Ex-Libris y Algo Más.

2009-10-17T01:15:00.001+02:00

La Guerra del Profesor Bertenev.

2009-10-15T06:48:00.007+02:00

Edición original: La Guerre du professeur Bertenev.
Fecha de edición: septiembre de 2009
Guión y Dibujo: Alfonso Zapico.
Formato: Libro cartoné, 80 págs., color.
Editorial: Dolmen Editorial.

Dolmen nos presenta en esta ocasión la primera obra de Alfonso Zapico (la segunda que se edita en castellano después de la fantástica Café Budapest). Con esta obra, Zapico, se dio a conocer en el mercado francófono y lo hizo por la puerta grande y con premio bajo el brazo, ya que su historia fue galardonada con el premio Prix BD Romanesque en el festival Villa de Moulins.

El autor utiliza la misma fórmula que más tarde utilizaría en Café Budapest para llevar a cabo su historia: un guión sólido, unos personajes trabajados y con personalidad propia, las relaciones humanas dentro de un marco trágico (en este caso la guerra de Crimea) y la utilización inteligente de un mesurado e inocente sentido del humor que hace que la lectura se haga amena y entretenida, está vez además, aderezada con una muy buena elección de colores planos. Y es que la formula Zapico, algo que podríamos llamar, si así me lo permitís, cotidianísimo histórico, bien podría funcionar en cualquier marco, tiempo o lugar.

Zapico nos lleva en este caso a la Guerra de Crimea. Comflicto que tuvo lugar entre 1853 y 1856 y enfrentó al Imperio Ruso contra Franceses, Ingleses y Otomanos que pretendían frenar el crecimiento de la Rusia del Zar Nicolas I.
Bertenev se bate en primera línea de frente a ingleses y franceses en una batalla perdida de antemano. Su capitán, ansioso por adornar su cadáver, el de Bertenev y de todo el resto de su tropa con la medalla al honor y al valor absurdo, decide quedarse a combatir en lugar de mandar retirada. En mitad del fuego y la sangre, el miedo y la desesperación, el profesor decide aceptar la invitación de un camarada y salir de aquel infierno poniendo tierra de por medio y haciendo oídos sordos a las balas que desde su bando le son disparadas por orden de su capitán y a grito de “traidores”. Su compañero de traición cae abatido por una de las balas, Bertenev consigue escapar pero no por mucho tiempo.
Townsend, capitán inglés que se reincorpora a la guerra, se encarga de pararle los pies, detenerle y llevarle junto al resto de los prisioneros de guerra. El profesor implora a los pies de Townsend quien, viendo su poco valor, las miradas de odio que despierta entre sus compatriotas y su dominio del idioma enemigo se apiada de el para más tarde ofrecerle un “trabajo” como su interprete personal. Poco a poco el enemigo inglés se irá convirtiendo en amigo y su Rusia natal quedará cada vez más lejos por mucho que siga pisando su suelo.

Zapico nos cuenta esta historia, en la que relata lo absurdo de la guerra, acompañándola por su particular grafismo. Un dibujo caricaturesco que contrasta con una historia sería y trabajada. Un contrate que, a mi gusto, es un golpe de aire fresco y que podemos comparar con el trabajo de Manu Lacernet en cualquiera de sus obras.

Es por tanto esta una obra muy correcta y disfrutable de un Zapico que nos dejaba así su carta de presentación como historietita y nos ofrece, como hizo más tarde en su Café Budapest una historia basada en el trato humano en una época convulsa.
Al autor dibuja unos personajes estupendamente trabajados a los que podemos conocer perfectamente gracias, sobretodo, a sus meditados diálogos.
Si hay que poner un “pero” lo podríamos encontrar precisamente en lo más destacado de la obra: La caracterización de los personajes. Y es que Zapico les otorga una personalidad carente de tonos grises. Sus protagonistas son buenos o malos, blancos o negros, sin un gris que hiciera la obra más realista y, si me permitís, más adulta. Y que conseguiría que pudiéramos estar hablando de un tebeo con mayúsculas en lugar de un tebeo muy bueno y entretenido como, sin duda y a pesar de esto, es el que tengo entre las manos. Fijo que en El Dublinés, título en el que Zapico se encuentra trabajando en estos momentos, sus personajes tendrán más sombras, con lo que esperaré con ansia ese título que, muy posiblemente, lo confirmará como el gran artista que es y que ya nos ha demostrado en esta obra y en su Café Budapest.

Muy buena la edición por parte de Dolmen, por cierto.

Ideas y recursos que me apetece destacar de la obra:

Zapico en todo momento se apoya en las onomatopeyas para dar consistencia y hacer más entendible el dibujo. Algunas muestras de estas.

Varios clásicos de la literatura rusa e inglesa aparecen a lo largo de la obra. Algunas viñetas a modo de ejemplo.

Las pisadas en la nieve.

Un largo viaje a caballo.

Zapico recoge varios recursos clásicos del comic y los hace suyos. Aquí la típica tuerca que describe el pensamiento, los humos del cabreo, la "z" para describir el sueño, el baho de la boca de los prisioneros nos da a entender el frío que hace en esa viñeta, los sudores de la sorpresa y el bochorno..

Estamos en 1856 y aún no se había inventado la bombilla...

Un saludo.

Otros comentarios a esta obra:

Álvaro Pons en La Carcel de Papel.
Sergio en Lecturas Recomicdadas.
Pablo en El Lector Impaciente.
Ui Ar de Japis
Susana en Trazos en el Bloc.

A Propósito de Lunas y Soles.

2009-10-14T01:07:00.003+02:00

Jesús Duce nos envía, para nuestro disfrute, esta fantática ilustración de Vincent Segrelles.

Por su parte, el amigo Rotebor, con quien intercambiamos lunas y soles debido a su situación geográfica, nos regala este maravilloso archivo que reproduzco tal y como nos lo envía.

Gracias, amigos, por vuestros fantásticos aportes.
Agradecer también al escaneador y traductor de dicho archivo su trabajo sin el cual, muy posiblemente, no hubiesemos podido disfrutar de esta obra.
Un saludo.

Las Mil Una Maneras: Luna y Sol 5ª Parte.

2009-10-13T00:59:00.002+02:00

"Por muy larga que sea la tormenta, el sol siempre vuelve a brillar entre las nubes"
Khalil Gibran (Bisharri, Líbano 6 de enero de 1883 - Nueva York, 10 de abril de 1931)

Tamara Drewe de Posy Simmonds.

El Marqués de Anaon de Vehlmann y Bonhomme.

La Última Batalla de Faraci y Brereton.

La Ciudad que no Existía de Christin y Bilal.

Las 7 Vidas del Gavilán de Cothias y Juillard.

Los Maestros Cerveceros de Van Hamme y Vallès.

Los Compañeros del Crepúsculo de Bourgeon.

El Tercer Testamento de Dorinson y A. Alice.

Los Pasajeros del Viento de Bourgeon.

Sambre de Yslaire.

Peter Pan de Loisel.

La Cosa Nostra de Chauvel y Le Saëc.

Blueberry de Charlier y Giraud.

(Cortesía de Emilio)

El Libertador de Gourmelen y Palacios. (Cortesía de Emilio)

Valerian de Christin y Mezières.

Y fin.
Un saludo.

Las Mil Una Maneras: Luna y Sol 4ª Parte.

2009-10-08T06:27:00.004+02:00

"En el majestuoso conjunto de la creacion, nada hay que me conmueva tan hondamente, que acaricie mi espiritu y dé vuelo desusado a mi fantasia como la luz apacible y desmayada de la luna"
Gustavo Adolfo Bécquer (Sevilla, 17 de febrero de 1836 – Madrid, 22 de diciembre de 1870)

El Príncipe de la Noche de Swolfs.

Magasin Général de Loissel y Tripp.

Djinn de Dufaux y Miralles.

Los Heroes Caballeros de Cothias y Rouge.

Bois Maury de Hermann.

La Rosa y la Cruz de Jarry y Critone.

Vacaciones Fatales de Giardino.

Okko de Hub.

Corto Maltes de Pratt.

El Ojo del Diablo de Antunes, Tirso y Montes.

El Silencio de Malka de Zetner y Pellejero.

La Prorroga de Gibrat.

La Venganza del Conde de Skarbek de Sente y Rosinski.

El Gran Poder del Chninkel de Van Hamme y Rosinski.

Un saludo.

Las Mil Una Maneras: Luna y Sol 3ª Parte.

2009-10-06T01:51:00.002+02:00

"Donde arden lámparas hay manchas de aceite; donde arden velas, gotas de cera; únicamente la luz del Sol ilumina pura y sin mancha"
Johann W. Goethe ( 28 de agosto de 1749 Hesse, Alemania – 22 de marzo de 1832Turingia, Alemania)

El Hijo de la Tormenta de Bichebois y Poli.

Yo, Jolan de Sente y Rosinski.

Thorgal de Van Hamme y Rosinski.

Daffodil de Brrémaud y Rigano.

Giacomo C de Dufaux y Griffo.

La Historia Oculta de Pécau y Kordey.

Pin-Up de Yann y Berthet.

XIII de Van Hamme y Vance.

Spirou y Fantasio de Morvan y Munuera.

Quetzalcoalt de Mitton.

La Isla sin Sonrisa de E. Fernández.

Un saludo.

Las Mil Una Maneras: Luna y Sol 2ª Parte.

2009-10-04T02:59:00.006+02:00

"Cada hombre es como una luna, con una cara oscura escondida que nunca muestra a nadie"
Mark Twain (30 de noviembre de 1835 – 21 de abril de 1910)

Hemingway, Muerte de un Leopardo de Dufaux y Malès.

Pluma al Viento de Cothias y Juillard.

Un Poco de Humo Azul de Lapière y Pellejero.

Partida de Caza de Crhristin y Bilal.

Sueños: Coraline de Filippi y Dodson.

Belladona de Ange y Alary.

La Estrella del Desierto de Desberg y Marini

Sigfried de A. Alice.

India Dreams de Maryse y J.F. Charles.

Durango de Y. Swolfs.

Haxtur de V. De la Fuente.

Donde no Alcanza la Mirada de Abolin y Pont.

Un saludo.